Reseña Manga: Monster



MONSTER (モンスター)

Editorial: Big Comic Spirits
Fecha de Publicación: 1994 – 2001
Guionista: Naoki Urasawa
Dibujante: Naoki Urasawa
Volúmenes: 36
Reseña: Ñoño Cool

«El monstruo sin nombre»

Hace mucho, mucho tiempo, en un país muy lejano vivía un monstruo sin nombre. El monstruo deseaba un nombre. Y lo deseaba tanto que apenas podía pensar en nada más. Un día el monstruo emprendió un viaje para buscar el nombre que tanto anhelaba. Pero el mundo es demasiado grande. Y por ello el monstruo decidió dividirse en dos. Una mitad se fue al este. Y la otra, hacia el oeste.

La mitad del monstruo que había ido al este encontró pronto una aldea

– Oye herrero, quiero que me des tu nombre -lanzó el monstruo

– ¿Pero qué tonterías dices? No pienso dártelo -replicó el herrero, incrédulo.

– Si me das tu nombre, me introduciré en tu cuerpo y te otorgaré toda la fuerza que te falta -prometió el monstruo.

– ¿En serio? Bueno, pues si de veras vas a hacerme más fuerte, adelante es tuyo– respondió el herrero.

Entonces el monstruo se introdujo en el cuerpo del hombre.

A partir de ese momento el monstruo se convirtió en Otto el herrero.


Otto era el más fuerte de la aldea, sin embargo un día…

– Mírame… mírame… ¡Mira qué grande se ha hecho el monstruo en mi interior!
Grush, grush, ñam, ñam, gruupmf, grumpf..¡plaf!

El monstruo que tenía mucha hambre se había ido comiendo al herrero hasta acabar con él. Y así fue cómo se quedó otra vez sin nombre.

Al poco tiempo, lo intentó con un zapatero llamado Hans.
Grush, grush, ñam, ñam, gruupmf, grumpf..¡plaf!
Al comérselo volvió a quedarse sin nombre.

Lo intentó también con un cazador llamado Thomas, pero…
Grush, grush, ñam, ñam, gruupmf, grumpf..¡plaf!
Como era de esperar se lo comió también y volvió a quedarse sin nombre.


Al final, el monstruo decidió buscar un nombre en el interior del castillo.


– Si me das tu nombre, pequeño, yo te haré tan fuerte como un roble -le dijo el monstruo al príncipe del castillo.


– Si logras que me recupere y me hace un niño sano y fuerte, mi nombre es tuyo-replicó el príncipe enfermo.


Y así fue cómo el monstruo se introdujo en el interior del príncipe.
Y éste se curó milagrosamente.


El Rey estaba de lo más contento.
– ¡El príncipe se ha curado! ¡El príncipe se ha curado! -se regocijaron todos.

Al monstruo le gustó el nombre del príncipe. Y la vida en el castillo le gustó también. Por eso, y aunque se moría de hambre, hizo esfuerzos por contenerse.


Un día tras otro, cuando le acechaba el hambre se contenía y esperaba paciente a que pasara.
Pero un día el hambre era tan acuciante que el monstruo no pudo más…


– Mírame… mírame… ¡Mira qué grande se ha hecho el monstruo en mi interior!
Y entonces se comió al Rey y a toda la corte de una sentada.
Grush, grush, ñam, ñam, gruupmf, grumpf…¡plaf!

Un día el principito huérfano se encontró a la mitad del monstruo que había ido hacia el oeste.
– Ya tengo nombre. ¿Sabes? Un nombre muy bonito.


El monstruo que había ido hacia el oeste le dijo:
– ¿Para qué sirve un nombre? Sin nombre también se puede ser feliz. Mírame a mí, soy un monstruo sin nombre.


Y entonces el príncipe se comió al monstruo del oeste. Pero se sintió muy, muy triste:
Cuando por fin había conseguido un nombre…
– …no queda nadie que me llame para recordármelo… con lo bonito que es mi nombre… Johan…


Franz Bonaparta.

 Monster. No importa cuántos párrafos le dedique a este manga, se que al final serán pocos y me quedaré con cosas en el tintero. Es una obra de una calidad tan increíble que supera a otras obras maestras de la industria por lejos, con un guión atrapante, construido con experto manejo de la tensión extrema, muchos giros argumentales que te tomarán por sorpresa, y personajes carismáticos, complejos, misteriosos como pocos. Además el enorme rigor a la hora de hablar de hechos históricos, políticos, geográficos y más, le agrega una nueva dimensión a su narrativa.

El factor decisivo que para mí la vuelve tan grande es que los dilemas psicológicos y morales presentados a lo largo de todo el guión no se traicionan a sí mismos dándonos un final feliz dulzón, pues nuestro mangaka prefiere mantenerse firme a sus planteamientos en vez de doblarlos para que quedemos contentos despidiéndose en cambio una nota tan sombría como necesaria. Esto es lo que transforma a Monster en un clásico de clásicos que no solo el otaku promedio, sino que el lector que disfrute de contenido inteligente y de calidad debería leer al menos una vez en su vida.

Creado por el maestro del manga Naoki Urasawa, Monster es un seinen que entra en el género de suspenso, nos cuenta la historia de cómo un doctor con un estricto e irrompible código de ética y moral ayuda sin querer a dar rienda suelta al más cautivador y temible de todos los monstruos hecho hombre, y su cruzada por detenerlo.

Nuestro protagonista es el doctor japonés Kenzou Tenma, quien a pesar de ser muy joven, se ha transformado en uno de los neurocirujanos del país, y el más notorio en el Hospital Memorial Eisler de Düsseldorf, Alemania. Este centro de salud es tan famoso y respetado que todas las figuras importantes ya sean de la música, cine, política, etc se trasladan ahí para ser atendidos. Todo brilla para Tenma, e incluso tiene un futuro matrimonio planeado con Eva Heinemann, la hija de su jefe y director del hospital.

Kenzou ama su lugar de trabajo y lo considera un sitio de perfecta integridad, hasta que un día un turco de clase baja que se accidentó en su trabajo llega a la sección de urgencias por una lesión en su cabeza, y necesita operación inmediata; Tenma quiere encargarse de eso, pero Heinemann le dice que no, porque hay un paciente millonario famoso – cantante de Ópera – que necesita ser tratado de inmediato por el mejor neurocirujano del lugar, a pesar de haber llegado después del hombre turco; y todo esto porque su recuperación le dará más fama al centro hospitalario.

Atendido por manos menos capaces, el inmigrante no sobrevive a la intervención y su viuda llorando le reclama al doctor que si él lo hubiese atendido seguiría vivo. Esto hace cuestionarse todo lo que creía de sus compañeros de trabajo y jefe directo, y su propia moral por hacerles caso en primer lugar. Gracias a estas dudas, cuando se encuentra con un niño con un balazo en la cabeza está agonizando y le ordenan que atienda a un político influyente que llegó después en su lugar, Tenma esta vez desobedece y atiende al chico, llamado Johan.

Gracias a su privilegiado talento él sobrevive ante toda expectativa, pero el político no tiene tal suerte y fallece, dándole un golpe gigantesco al prestigio del hospital. El director furioso lo pone en el puesto más bajo posible sin posibilidades de ascender como castigo, y su futura esposa Eva le abandona burlándose de él inmediatamente de aquello. Lleno de una ira nada típica en él, ya que cree haber hecho lo correcto y que su tragedia viene de manera gratuita, va hacia la habitación donde duerme el niño al que ha salvado y como nadie le oye, ruega para que la gente que le hizo esto muera.

¿Cómo podrían ir peor las cosas para nuestro protagonista? Pues sus plegarias son escuchadas y Heinemann aparece asesinado en su oficina. El doctor pronto se dará cuenta de que el niño al que ha salvado era un frío asesino sin conciencia y con su propia sombría mirada del mundo, y había ido a parar al hospital porque su propia hermana gemela le había disparado en el cráneo para detenerlo. Sumando dos más dos, también llega a la conclusión de que él fue quien mató a su jefe por petición suya.

Pasan nueve años. Tenma se encuentra nuevamente en un buen lugar profesionalmente hablando, la hermana de Johan ha crecido y vive bajo una nueva identidad, pero el asesino ahora crecido parece presentar una obsesión por ella y fuerza su reencuentro, mientras tanto comienza a matar gente a diestra y siniestra sin dejar ninguna sombra de rastro. La policía recordando las muertes del pasado y asociándolas con estas, creen que es Kenzou el que está detrás de todo y le dan caza sin tregua.

Como prófugo de la ley, quienes piensan que es víctima de una doble personalidad que lo hace matar sin que conscientemente lo sepa, Tenma deberá correr por el mundo buscando al verdadero responsable y detenerlo, pues se siente extremadamente culpable de haber auxiliado a un monstruo quien tanto daño hace. En el camino irá ejerciendo de médico clandestino para salvar a todos los que se encuentren en necesidad, porque su Juramento Hipocrático se lo impone… pero es ese mismo juramento el que deberá romper si quiere ponerle un alto definitivo al peligroso ser al que hace 9 años salvo de la muerte. ¿Será capaz este doctor de acabar con una vida cuando toda la suya se las ha pasado salvándoles?

 Así comienza la obra de Urasawa, una obra maestra en toda regla y por donde se le mire. Tal como cualquier de los mangas que irá sacando más adelante, contiene una retroalimentación en cuanto a las influencias y ciertos elementos que se repiten de uno a otro; así como 20th Century Boys bebió de las temáticas de Monster y tomaba prestado algunos planos visuales y escenas; la misma Monster contiene rastros de Master Keaton. Esto se puede ver en los parecidos físicos entre sus protagonistas, así como que ambos son trotamundos por Europa – aunque claro, uno es un investigador y el otro un prófugo de la ley – y en el uso de la misma realidad sociopolítica, situada en el Viejo Continente a finales de plena Guerra Fría y con las Alemanias divididas.

Es el interés de Urasawa por la cultura y sociedad europea de occidente lo que nos pone en Alemania Occidental, específicamente en el Düsseldorf de los 80, cerca del Rin, donde el fantasma de Hitler y sus nazis seguían cazando a cada uno de los escenarios por los que nos moveremos. La realidad histórica de esa época está plasmada de maravilla; en especial la República Federal de Alemania (RFA) como la mitad rica, industrializada y llena de prestigio a las que todos los exiliados de la pobre, subdesarrollada y demacrada República Democrática de Alemania (RDA) que conseguían huir de los soviéticos y el comunismo aspiraban a llegar.

La manera en como retratan como se vivía en la RFA desde la polémica que sucedió cuando Bonn pasó a ser capital del país en vez de la poderosa y próspera Fránkfort absorbiendo el poder político y como el poder económico se concentró en la capital regional Düsseldorf transformándola en la ciudad más importante del país; hasta la masiva llegada de inmigrantes de Yugoslavia y Checoslovaquia que sufrían regímenes sanguinarios por parte de los soviéticos y la petición de la RFA de traer mano de obra extranjera de países como Grecia, España, Portugal y por supuesto Japón – así es como Tenma llega a ser un nipón de sangre pura residente en Europa – para mejorar el rendimiento de sus empresas; e incluso el verdadero éxodo desde Turquía hacia Alemania, su ex aliado en la primera Guerra Mundial cuando aún eran el Imperio Otomano, formando verdaderos guetos turcos a lo largo de todo el país volviéndose hasta el día de hoy una de las etnias a integrar en la nación dado el racismo del que aún son víctimas y más aún en la época donde está ambientado el manga; todo eso está plasmado en nuestra historia para entregarle un enorme y cuidadísimo sentido de realismo y crudeza, que no deja de ser un aspecto fascinante de mencionar porque el construir algo así de históricamente detallado es un logro en si mismo al igual que el desarrollo del guión, personajes y dibujo.

Tenma se mueve por todo este contexto histórico, y como fugitivo se ve forzado a moverse por los guetos y barrios bajos del país. Aquí es donde vemos como muchas mujeres turcas incluso con hijos a cuestas eran forzadas a volverse prostitutas de segunda clase para poder comer, y las vírgenes eran víctima de tráfico de blancas; mientras que las mujeres checoslovacas eran prostitutas de primera clase, mercancía de lujo, por su parecido físico con las alemanas, cosa que en un país tan racista como lo eran en esa época, importaba mucho. Kenzou tendrá que aprovechar todo el contexto sociopolítico anteriormente mencionado – condiciones, no personas, Tenma jamás haría eso con un ser humano – y aprender a utilizarlas a su favor para escapar de la justicia antes de lograr su meta, haciéndose amigo de los necesitados y ganando aliados en el camino.

Desde el comienzo la historia es cautivadora, inquietante y misteriosa, con una narrativa que combina aventuras autoconclusivas con un guión continuado que ata cada situación de alguna forma. Cada palabra, cada viñeta y cada página se mantienen de una altísima calidad que nunca baja. Los diálogos son siempre memorables, las situaciones interesantes, los personajes atrayentes y jamás suelta esa tensión en el aire hasta la viñeta final del último volumen.

Tenma es un hombre que no sabe si está buscando venganza o justicia, un alma pura y amable, que vive por los demás y jamás puede hacer la vista gorda ante una tragedia lucha contra sus propios principios éticos para acabar con el criminal más carismático y brillante que haya pisado la Tierra. Vemos lo arraigado que tiene el Juramento Hipocrático en su mente y como este lo guía por Alemania siendo un salvador clandestino de vidas que solo busca acabar con una ¿será capaz de traicionar todo lo que cree por un bien mayor? Ese es su eterno dilema, y no está seguro de poder lograrlo.

Se embarca en una cacería donde ambos Kenzou y Johan son presa y cazador, y para poder tener una oportunidad de ganar necesitará reconstruir el pasado de alguien que aparentemente no lo posee. Y antes de poder culminar su meta, en el viaje deberá solucionar ciertos aspectos de su vida, lidiar con nuevas y diferentes amenazas, ganar aliados y más cosas alejadas de la trama principal que en vez de entorpecerla o detenerla, solo la enriquecen más y más.

Johan como villano es malditamente aterrador. Con una y una personalidad cautivadora al máximo que atrapa a sus víctimas en una red de araña y los seca, sacándoles hasta el más mínimo detalle de sus vidas, y así cuando los asesine todo el escenario llegue al nivel de perfección necesaria para que todo parezca natural, obra de la casualidad o de alguien totalmente distinto a él alejándose de toda sospecha. Y hablando de terceros, Johan busca los puntos débiles de la mente de otros asesinos seriales peligrosos en extremo para que ellos maten por él, su mayor arma es su sonrisa y sus palabras el puñal con el que acaba con el mundo.

Nuestro exquisito villano posee otros factores que le vuelven aún más interesante, como una belleza física tan ambigua como fascinante que hará que se vista de mujer en más de una ocasión para lograr sus metas al entrar en la vida de quien sea por los medios que sean; y claro, su mente brillantemente demencial, y que se escapa de nuestra lógica pues funciona con la propia. Además, su obsesión enfermiza con su hermana gemela será el misterio más alarmante y perturbador de todos, pues el motivo de esto es tan simple y a la vez tan complejo que fue la pieza clave para que Johan se transformara en lo que es hoy en día.

 Otro punto histórico aquí servirá para la base de nuestros villanos secundarios, quienes quieren a Johan para ser el nuevo Hitler 2.0 y pretenden usarlo a su favor. Me refiero obviamente a los nazis, quienes vivían ocultos entre el pueblo alemán por ese entonces luego de su derrota a manos de la Unión Soviética.

Aquí los presentan como los herederos de Airbert “Doctor Muerte” Heim en cuanto a pensamiento, pues ellos en medio del Holocausto iniciaron grotescos experimentos que incluían vivisecciones, tortura de gemelos, etc para tener base científica sobre la cual justificar eutanasia, esterilización, asesinato de enfermos mentales, y poner la eugenesia aria como base de su mundo. Además de Goebbles, pues nuestros nazis en este manga amplían estos parámetros y le suman experimentos parapsicológicos de control mental como Goebbles planeaba, crear un lugar donde un solo líder gobierne a masas obedientes en un mundo de perfectos hombre arios.

Y serán estos últimos los que darán la base del argumento de Monster para justificar como Johan llegó a ser quien es, ese “superhombre” psicológicamente hablando, superior a Hitler en cuanto a manipulación y carisma que tanto buscaban. Pero lo que no saben es que él es quien los está manipulando a ellos como a otras decenas de personas, pues Johan no quiere controlar la humanidad, sin destruirla.

Entre nuestros héroes también tendremos otro hombre, el inspector Runge de la policía de Alemania. Es un hombre dueño de una inteligencia sin igual y atención por los detalles que rivaliza a cualquier detective de la ficción, y tan apegado a su trabajo que se ha vuelto el único aspecto de su vida al que le dedica tiempo, por esto su hija no le habla y su esposa lo abandona por otro hombre. Pero no está del lado de nuestro querido doctor, pues cree que Tenma es un enfermo mental con doble personalidad, y su lado asesino es el que se conoce como Johan; por esto ha vuelto la cruzada de su vida atrapar a quien cree capaz de tales atrocidades.

Gracias a esto, solo Tenma y los escasos aliados que irá haciendo en el camino, junto con el mismo lector seremos quienes sepan la verdad, que Johan es una persona diferente a Kenzou, ya que el resto del mundo considera a este íntegro hombre como el criminal más buscado del país y toda Europa. Tal como en muchas historias de gente inocente siendo prófugos de la ley como Harrison Ford en la película “El Fugitivo” el espectador se verá lleno de impotencia a la hora de ayudar a nuestro protagonista y como se le achacan más y más cosas encima sin que podamos gritar la verdad, pues nuestras alegaciones caen en oídos sordos. Es esta sensación de no poder ayudar lo que hace crecer más la tensión, y por ende el nivel de apego con la trama.

Las presencias femeninas en la historia igual son puntos de interés, en especial desde que punto parten y como van evolucionando en el camino. Nina – la hermana de Johan – es una chica siempre optimista, llena de bondad, ingenuidad y fe en el futuro, pero con todo lo que le va pasando tendrá que aprender cómo defenderse, disparar un arma de fuego o incluso entrar en el juego de la seducción si quiere sobrevivir, aunque claro, mantiene firme todos sus valores y características básicas con las que comienza el viaje, no importa lo mal que vayan las cosas, ella no se corrompe.

Eva Heinemann por otro lado es todo lo contrario, comienza como una dama de la alta sociedad que mira a todos los pobres como criaturas inferiores y su orgullo, dignidad y dinero la definen como persona; cuando las cosas comienzan a ir mal para ella y pierde su riqueza, y ahí se da cuenta que Tenma fue el único hombre al que ella amó y lo quiere de vuelta. A medida que se hunde más y más en su propia miseria económica y como persona va acostándose con todos los hombres que pueda por algo de contacto humano, dinero o una victima a manipular, y se vuelve una adicta al trago. El camino que ella recorre será uno de lenta autodestrucción y mientras más conoce el rechazo de Kenzou crece más egoísta y quiere vengarse de él y para ellos romperá los límites necesarios y las cosas más horribles a su alcance, aunque desesperadamente lo sigue amando.

 Ambas serán extraños intereses románticos para nuestro protagonista, ya sea porque una lo busca para que caiga con ella al abismo, y la otra como un aliado de las circunstancias, pero no es un triángulo amoroso, pues nada de lo que sucede entre ellos podría interpretarse como amor o siquiera cariño real. Monster es lo suficientemente inteligente para saber que esos clichés de telenovela no van con él, y por esto las emociones presentes siempre son la rabia, culpa y conflictos internos con la propia humanidad de los personajes, quienes irán explorando sus verdaderas naturalezas.

En cuanto al dibujo, este puede ser el mejor trabajo técnico de Urasawa. Con sus magnífico uso de luz y sombra salido de las películas más clásicas en blanco y negro de Orson Wells, un uso de la tinta pocas veces igualado, detalles sublimes, planos que se van del dibujo lineal tradicional, una gran técnica para mostrar las emociones de cada personaje en ella, un impecable diseño en cuanto a la arquitectura de los lugares en lo que nos movemos tan perfecto que pareciese que nos encontramos en ellos junto a Johan y Tenma; incluso hay detalles interesantes como escenas donde todo mundo está lleno de angustia y pena y una suave música proveniente de algun lado rompe este ritmo. Con Moster Urasawa demuestra que es un artista completo en todos los aspectos en lo que a realización de manga se refiere.

Monster es un vistazo dentro de la naturaleza de la humanidad, que habla del el poder del nombre que nos entregan nuestros padres para que podamos ser personas visibles en la sociedad, y nos deja visualizar ambos lados de la moneda, desde los rincones más asquerosos, repulsivos, abominables y oscuros de nuestra esencia, hasta las acciones llenas de abnegación, humildad, compás moral inquebrantable y capacidad de hacer el bien. Y los dos lados son igual de atrayentes, en especial cuando resultan mezclados o enfrentados entre si.

Además, este manga tiene un anime publicado desde el 2004 al 2005 que lo adaptó religiosamente al pie de la letra, al punto de que siempre 4 capítulos del show eran un volumen del manga en cantidad exacta, dándonos 75 capítulos en total. Cada cosa está respetada hasta la obsesión, desde la estructura hasta la reproducción exacta de las escenas, este es una de las ocasiones donde el anime es tan bueno como el manga, y si has visto/leído uno, es casi como si hubieses experimentado ambos.

Posee una calidad de animación altísima, su opening es memorablemente inquietante y el ending es una obra de arte, ya que nos pone trozos del cuento de Franz Bonaparta que avanzan a medida que avanzan los capítulos, acompañados por una melodía desoladora, y que te dará escalofríos. Y como no pude encontrar el anime completo en un idioma integral, lo experimenté en japonés con subtítulos, español ibérico y español de Latinoamérica, y los 3 presentan un gran trabajo en lo suyo… aunque si tuviese que elegir diría: original, latino y finalmente ibérico. Pero es una percepción muy personal y no sé si realmente objetiva.

El final para muchos será tal vez algo desconcertante y les defraude, pero esto era INEVITABLE dado en cómo se comportaban ambas fuerzas opuestas en el campo moral, ambos y especialmente Tenma demuestran lo fieles que son a lo que representan y por ende la cosa no podría terminar en un felices para siempre y si en la nota más sombría posible y necesaria. Yo ya he visto el anime 2 veces y me he leído el manga 1 vez y media, y nunca me canso, sinceramente es una de las obras maestras más magistralmente compuestas en todos los géneros y medios de arte de la industria nipona. No puedo recomendárselos con más fuerza, y créanme que si son fans del buen manga, o del buen contenido en general, esto será una maravilla que atesorarán por siempre.

 10/10


Post:    Monster






Reseña Comic: Nekrodamus



NEKRODAMUS

Editorial: Revista Skorpio
Fecha de Publicación: 1975 – 1994
Guionista: H.G. Oesterheld
Dibujante: Horacio Lalia
Reseña: Ñoño Cool

“Ha llovido y la tierra húmeda del cementerio cede bajo los pies de Gor, el hombrecito deforme. Muñones, carne agusanada y maxilares congelados en un grito eterno son enterrados nuevamente por el contrahecho. Un perro aúlla su hambre de siglos. Una plañidera llora a dos monedas por lágrima. Y en medio de eso, el cuerpo de un príncipe es acompañado por una corte adulona hacia su cripta. Todo le hace pensar a Gor en un inquilino mas, en un cuerpo que deberá limpiar de polvo cotidianamente… y de pronto, un viento helado que atraviesa la cripta quitando el aliento. Y el príncipe que se incorpora y dice ser un demonio… llamado Nekrodamus. Llama a la puerta, caminante, pide permiso para entrar a un mundo infernal, plagado de metáforas y espanto, pero antes ten en cuenta algo… nadie te asegura el regreso.”

Nekrodamus es una famosa serie de historietas enmarcadas en el género de horror-aventura nacidas de la mente de H.G. Oesterheld, quien a pesar de haber fallecido sigue siendo el más grande guionista argentino de comics en toda la historia de ese país, así como uno de los indiscutibles maestros en el mundo del tebeo en general, el mismo autor del mítico “El Eternauta”. Su Nekrodamus fue la última creación que pudo hacer antes de que las fuerzas armadas le tomaran prisionero en un periodo muy complejo en la historia política de la Argentina que no voy a tocar porque 1) no soy de ese país como para tener el contexto completo y poder dar una opinión informada o de peso, y 2) esta es una reseña de comics y eso no viene al caso.

Este comic producción argentina pero estrenada en el mercado Italiano sobre este demonio humanizado goza de ser una de las historietas que más tiempo estuvo publicándose en la revista Skorpio, corriendo desde 1975 a 1994, y fue la que rompió con lo que se esperaba de las cosas que Skorpio lanzase en sus páginas. En los 70’s solo eran historias de acción, ciencia ficción y aventuras más alegres y ligeras las que dominaban la palestra, y ahora llegaba algo puramente de terror. Las macabras situaciones en las que nuestro demoniaco protagonista y otro demonio llamado Gor, cuidador de la cripta mortuoria donde su cuerpo descansa, se ven envueltos están siempre enfocadas a buscar la redención de ambos, mientras combaten el mal en todas las formas.

El que un monstruo fuese nuestro héroe respondía a un fenómeno que pasaba en el género en el despertar de los setenta y que se venía gestando décadas antes. El horror en los años 30 y 40 eran básicamente pulps con científicos locos desfigurados y físicamente aterradores haciendo de las suyas o militares nazis, soviéticos o asiáticos con planes de dominación mundial dado el contexto de la guerras mundiales frescos en la mente; para la llegada de los 50 reaparecieron los monstruos clásicos como hombres lobos, vampiros, momias, zombies, e incluso el ocasional asesino del cuchillo, siempre haciendo hincapié en su fealdad tanto mental como física ya que el miedo al extranjero había pasado y necesitaban otro enfoque.

Para los 70 nuevamente se cansaron de eso ya teníamos monstruos víctimas de la sociedad, que por su crianza se habían vuelto psicópatas asesinos o querían venganza contra el mundo, transformando humanos en criaturas sin humanidad, se buscaba un monstruo no irreal sino que mucho más palpable y por ende que causase más miedo por eso; y por otro lado los que siempre fueron físicamente horrendos como vampiros, demonios y más seres fantásticos, ahora poseían humanidad y tenían deseos, pesares, necesidades y mejor apariencia física. Con la conciencia social de que existen monstruos dentro de nosotros, también comenzó a aparecer la idea de que debe haber destellos de humanidad dentro de los monstruos; y gracias a esto la criatura aterradora y gótica pasó de ser un obstáculo a superar, el villano o un secundario, ahora probaba sus posibilidades de ser el héroe. Aquí es donde cae Nekrodamus.

Una obra que marca un interesante momento en las carreras de ambos autores, pues para el dibujante Horacio Lalia fue lo que impulsó su carrera como artista y le puso en el mapa, mientras que para un ya maduro Oesterheld que rondaba los 60, sería el final de su trayectoria antes de ser secuestrado y asesinado.

Nekro es un personaje que recuerda a la época del romanticismo literario del siglo XIX, luce como un caballero andante, con buena salud, apariencia hermosa y cuidada, además a pesar de ser un demonio se niega a hacerle daño a cualquier inocente, pero liberando toda su sanguinaria furia contra los que considere culpables de algún mal, siendo una especie de antihéroe antes de que estos se pusiesen de moda en el mercado del tebeo norteamericano en la segunda mitad de los años 80. Su cuerpo bello no es su forma física real eso sí, sino que un cadáver de un noble muerto hace muchos años que conserva en las mejores condiciones posibles para mantener la fachada, y su real apariencia es deforme y nauseabunda.

Gor por su parte, es un ser que es deforme y asqueroso de principio a fin, no tiene cuerpo falso que le apañe sino que deja ver su forma tal como es; y es dueño de una repugnancia total tanto física como espiritual, pues también es un nigromante que mata por diversión y goza pervirtiendo a los vivos y los muertos. Esto crea una suerte de dualidad entre ambos, protagonista y ayudante, aunque sus similaritudes son más que sus propias diferencias.

Ambos hombres también tienen una obsesión con las apariencias físicas, ya que Nekro se rodea de cruces a pesar de que le queman para poder fingir que su naturaleza no es demoniaca, y cuando asesinan a seres hermosas les dan tratos especiales como recubrir sus cadáveres de oro o sepultarlos en lugares ilustres por el mero hecho de su físico excepcionalmente lozano; incluso Gor se enamora de una mujer llamada “la princesita” nada más que por su rostro. Para ellos lo superficial importa más que la sustancia, lo que les entrega un sentido de tragedia, porque ambos desean desesperadamente lo que no poseen, y lo ponen por sobre el valor de muchas otras cosas más ya que para ellos la belleza es símbolo de la vida misma.

El tebeo comienza bastante tibio, sinceramente siendo una sombra de lo que en más tarde se convertiría tanto en caracterización de personajes como en tramas, pero cuando toma vuelo lo hace con ganas. Una vez cimentado el universo donde se mueven estos seres, es genial ver interactuar a dos personalidades tan fuertes y definidas como Gor y Nekro en aventuras profundas y difíciles. Nekro es un estratega maestro de lo sobrenatural, casi como un John Constantine, Dr. Strange o Batman mágico, dueño de una frialdad y capacidad de ponerse dos pasos adelante del villano y el lector mismo que siempre sorprenden, se ve invencible a pesar de las cosas que se le pongan encima, y eso es especialmente cierto cuando es acompañado por Gor y Lepra el perro.

La narrativa de todo Nekrodamus es muy y digo MUY diferente y mejor trabajada que muchas de las otras obras latinoamericanas en ese entonces, y posee comentarios sociales bastante fuertes y dobles lecturas que se pueden captar fácilmente y le añaden un sentido de tridimensionalidad a todo el conjunto, aunque si se encuentran políticamente en el lado contrario del espectro, esto puede resultar molesto. Este último elemento era bastante obvio que aparecería ya que cuando Oesterheld guionizaba esta historieta estaba siendo perseguido por los militares por sus ideas diferentes.

Ambos siempre mantienen una brújula moral – algo extraño para un producto protagonizado por demonios – y que sirven de alegorías y metáforas para tocar temáticas como el amor, la codicia, la corrupción, justicia, abuso de poder, concepto de belleza, el perdón, venganza y más. La estructura de cada caso es como los de Sherlock Holmes o cualquier serie procedimental de tv, se les presenta un problema, Nekro lo resuelve y tenemos una lección que aprender a navegar entre lo sórdido de lo humano, son siempre relatos cortos conectados solamente por sus protagonistas y el mal omnipresente. Y los villanos que se pasean por las viñetas son memorables y aterradores, dejando en claro que muchas veces los seres más peligrosos no son los sobrenaturales, sino que los humanos más egoístas y crueles de nosotros. Aunque como excepción, tenemos una serie de demonios relacionados con algunos personajes que huele mucho a Neil Gaiman años antes de que este saliese con su Sandman; pero debo admitir que Neil llevó estos conceptos a MUCHO mejor puerto en los años 80-90.

Los dibujos de Lalia crean atmósferas pesadas, un muy buen juego de luces y sombras, gran trabajo de perspectiva y planos, personajes muy detallados, usando esponjas mojadas para dar la impresión de climas nublados y ambientes con aires corruptos y como no, su icónica viñeta circular por aquí y allá para romper con los esquemas comunes. Ya entrado en el grueso de los números su nivel de detalle y ejecución de todos los elementos pasados mejoran una barbaridad, además de notarse que su lado fuerte son las escenas de tranquilidad, ambientación y diálogo que piden detalles en las expresiones faciales y los fondos; y por esto las secuencias kinéticas de acción no se sienten del mismo nivel.

Luego de que Oesterheld desapareciera y los guionistas fueran y vinieran en la colección durante 5 años más, Laila seguiría superándose a sí mismo, con un trazo menos barroco que antes pero igual de característico. Lo que más me gusta de sus años posteriores es como trabaja los detalles de la arquitectura, crea atmósferas desoladoras y los detalles puestos en cada objeto y personaje a tal nivel que casi salen de las páginas… aunque claro, es un nivel que llegaría después de mucho tiempo.

 Nekrodamus es una historieta llena de conceptos interesantes a explorar, que cambió el género del horror latinoamericano que revisase la naturaleza de lo que hace un monstruo en vez del mismo monstruo en si, además de llevar a las alturas a Laila como uno de los mejores trazos en la Argentina. Sinceramente esta vieja tira sobre cadáveres y mundos góticos es un clásico que debería tener más reconocimiento, no está al nivel del Eternauta del mismo guionista, pero sigue siendo una joya del comic de habla hispana en Latinoamerica.

8.5/10






Reseña Película Animada: Cuando Marnie estuvo ahí



CUANDO MARNIE ESTUVO AHÍ

Fecha de estreno: 19 de Julio 2014 (Japon), Noviembre 2015 (Resto del mundo)
Director: Hiromasa Yonebashi
Guionistas: Hiromasa Yonebashi, Keiko Niwa, Masashi Ando
Productora: Studio Ghibli
Duración: 103 minutos
Reseña: Ñoño Cool

Esta podría ser la reseña más triste que haya escrito, porque está dedicada a la última película de uno de los estudios de animación que ha sido parte de mi vida por más de 20 años antes de su cierre temporal que luce casi permanente a este paso. Pero no quiero que sea de este modo, sino que se vea como un homenaje a la casa de Miyazaki y Takahata que tanta alegría nos han dado.

Hayao Miyazaki es y será uno de los dioses de la animación, un pozo inagotable de imaginación que fluye a borbotones como si de una cascada se tratase, un hombre que puede darte bosques mágicos con chicas criadas por lobos, castillos que caminan comandados por magos, salones de aguas termales llenos de espíritus donde vive un dragón, una brujita alegre que quiere hacer su vida en la ciudad, o un gigantesco avatar del bosque que se hace amigo de dos niñitas. Siempre tendremos magia, corazón, animación de primera categoría, historias memorables, personajes inolvidables y un sentido de asombro gigantesco en cada una de sus obras.

El hombre es tan dedicado que todos los films dirigidos por él antes del 2006 eran dibujados a mano cuadro por cuadro por un gran número de empleados pero él en persona se dedicaba a hacer cientos de ellos por sí mismo como un maestro artesano apasionado por su arte; y solo en los años posteriores comenzaron a usar un poco de animación computacional sin abandonar la intervención a mano. Hayao-san es simplemente una leyenda en vida.

Fundó el estudio Ghibli con su amigo y colega Isao Takahata, otro maestro cuya especialidad son las cosas más crudas, reales, y que pueden llegar a destrozarte el alma de dolor como Tumba de las Luciernagas; y han producido películas consideradas obras maestras no solo de la animación sino que del cine en general. Ghibli dejó su marca en el mundo del film y en el de la gente que los visionó y creció con ellos.

Crecí con Miyazaki, mi hermano de pequeño tiene un peluche de Totoro, lo que no significa que lo ensalzaré esta nueva película porque tiene sus errores en varias partes a pesar de ser de alta calidad generalmente hablando, pero por esto el siguiente film guardará un lugar MUY especial en mi corazón, no solo por el contenido sino que por el peso emocional que conlleva en mi vida, aunque no sea perfecto. Porque… el film es sólido, pero no se si quedará en el top 5 o 10 de las mejores obras del estudio.

Hace unos años ya, Hayao Miyazaki, director y hechicero en jefe de la casa de animación japonesa, anunció su retiro después del estreno de “El Viento se Levanta”, y seis meses más tarde, su co-fundador Isao Takahata hizo lo mismo, tras la finalización del “Cuento de la princesa Kaguya”. Esas dos obras maestras son una nota altísima en la cual finalizar una carrera de tantas décadas, así que sería un peso bastante importante para el tercer film cerrar con broche de oro la generación Ghibli sin ninguno de los dos grandes a cargo.

La cabeza pensante a cargo sería Hiromasa Yonebayashi, el relativamente joven discípulo de 42 años de Miyazaki, que en un punto donde las cosas se movían sin problemas fue considerado en el estudio como el sucesor natural del gran hombre. “Cuando Marnie estuvo allí” es sólo su segunda película como director, siendo la primera una adaptación del libro de María Norton “The Borrowers” llamada Arrietty que salió en 2010.

El film está basado en una novela del mismo nombre por la autora Inglesa Joan G. Robinson, que fue nombrada recientemente por Miyazaki, junto con otros, incluyendo Winnie-the-Pooh, Heidi y El Jardín Secreto, como uno de sus libros infantiles favoritos, y su trama, que se mueve entre fantasmas, el arte y la memoria, y el papel que los tres juegan en nuestro crecimiento llevándonos por un viaje emocional que termina no en un adiós sino que en un “hasta siempre”, es sin lugar a dudas algo que navega en el reino de lo que esperaríamos un gran final para estos mundos.

A diferencia de Kaguya y Viento, aquí no tenemos historias casi estrictamente adultas, sino que con un mensaje más familiar o que apunta a los jovenes. En esta tierna historia de fantasmas con todo el sabor británico y rebosante de un estilo y sentido único de misterio y melodrama, tenemos de protagonista a una chica de 12 años llamada Anna quien nunca ha podido hacer amigos pues siempre se burlan de ella, lo que la ha vuelto muy retraída, vive triste dado la muerte de sus padres y a pesar de que su madrastra la ama con todas sus fuerzas, ella piensa que solo lo hace por deber y no por cariño.

Tímida pero claramente no sin talento, Anna pasa su tiempo libre dibujando, y a pesar de ser en extremo talentosa en ello, verdaderamente se odia profundamente a sí misma, se encuentra fea, estúpida, con mal humor, y cree ser desagradable hacia todos, la pobre chica ha caído en una enorme depresión que llega casi a los límites de la conducta suicida -cosa que no verás en películas de animación norteamericanas ni de broma – y la intensidad de su pena, retraimiento y dolor es lo que hace que todo esta historia golpee más profundo cuando la vemos luchar por sí misma y valorarse a si misma por primera vez.

Ella se siente desconectada de sus compañeros y su madre adoptiva, quien por sus ataques de asma la envía en última instancia a pasar algún tiempo con sus abuelos adoptivos en Hokkaido, la gran isla en el extremo norte del país en forma de media luna, un sustituto no sin sus elementos intrigantes que la diferencia del rústico Norfolk de la novela.

Allí, en Hokkaido, Anna descubre la libertad de explorar la zona por sí misma, que por supuesto es uno de los grandes placeres de una historia como esta para el público lo suficientemente paciente para apreciar el cambio de ritmo, que nos permite deleitarse con los fondos pintados a mano y la flora y fauna cuidadosamente detallados, que nos da un respiro de toda la animación 3D actual. Los deambulares solitarios de Anna la llevan a un lugar con vistas al pantano. Hay algo en la forma en que el sol golpea la casona al final de este que parece una verdadera invitación. Cuando la marea está baja, Anna puede cruzar fácilmente al edificio extraño con un extraño estilo europeo en Japón, y siendo una niña curiosa por naturaleza, hace exactamente eso, descubriendo para su sorpresa una chica rubia muy triste como de su misma edad mirando en la ventana de arriba.

Anna pronto se hará amiga de ella, llamada Marnie, quien es su exacta opuesta, cálida, llena de confianza, expresiva, y siempre alegre. Aunque las dos poseen los mismos ojos azules (extraños en Anna pues es japonesa) y tienen sentimientos encontrados sobre sus padres. Para nuestra protagonista, es porque murieron cuando era una niña y siempre sintió como que la abandonaron por eso, mientras que los Marnie están vivos, pero se preocupan mucho más en celebrar fiestas y dejar a su hija de 12 años a cargo de los crueles sirvientes de la casa.

El problema es que nadie más puede verla y todos le dicen que esa casa está abandonada hace años, pero cuando Anna entra el lugar se ve lleno de vida y con fiestas y gente por doquier, lo que la deja con la duda de que su nueva y única amiga puede ser real, un fantasma que vive en una casa encantada o solo un producto de su imaginación para combatir su soledad y depresión agobiante.

¿Y si es Anna el fantasma? ¿Quién es la que desaparece realmente? Pareciese como si ambas estuviesen imaginando a la otra, ¿ninguna es real? ¿Las dos son fantasmas? Lo único que saben es que cada una es lo que la otra necesita, Marnie le da a Anna la alegría que le falta, Anna a Marnie le entrega seguridad en su vida de maltrato, ambas se apoyan para superar los pesares en un mundo melancólico. Las líneas entre lo real y la fantasía realmente se comienzan a medida que avanza el film.

Es una tierna historia sobre amistad, fantasía, la búsqueda de la fuerza interna para abrazar los pasados trágicos y las diferencias no para encajar en el mundo, sino que para sentirnos cómodos en nuestra propia piel, y así lograr la tan necesaria sanación emocional. Todo hubiese sido perfectamente fácil de traducir en live action, pero se agradece el uso de la hermosa animación 2D, esos colores y detalles, que junto con la música de piano de Takatsugu Muramatsu acompañando todo, hace que todo esto se sienta como un cuento antiguo perdido en el tiempo. No se siente como el final de Ghibli, sino que como un capítulo perdido en sus días más tempranos que fue restaurado por las manos de la contemporaneidad.

Ok, entonces ¿cuáles son los problemas con este film? Primero, la narrativa de tanto en tanto cae en lo letárgico más que lento y se alarga mucho más de lo necesario, quitándole el sentido de urgencia que una historia como esta debería tener. Sé que es amistad y autodescubrimiento primero, y misterio segundo, pero no me agrada que uno de los elementos que la hace más interesante sea en más de una ocasión dejado de lado, por mi parte hubiese cortado 15 minutos de metraje, o al menos hubiese editado la primera mitad con algo más de velocidad en ciertas escenas.

 Y lo segundo no tiene tanto que ver con el film en sí, sino en lo que representa: su rol como el Ghibli final. OBJETIVAMENTE hablando es otra más del montón en la larga lista de films y no cierra de manera tan memorable como lo hiciese “El Viento se Levanta”, que hubiese dejado como el producto para el cierre. Es una linda historia muy sólida, emocionalmente poderosa y con personajes atrapantes, pero nada que se quede pegado en la memoria del espectador como “Mi Vecino Totoro”, “La Princesa Mononoke” u “El Viaje de Chihiro”, pues es bastante más simple y no está llena de esa imaginación desbordante que caracteriza al estudio. No es una cosa de parámetros épicos que finalice un gran viaje, sino que como una película menor que encaja en las arcas del estudio. Ahora PERSONALMENTE es mi tercera película favorita en todo Ghibli dado que yo pasé una etapa de mi vida como Anna y me identifico fuertemente con ella, y por ese final que te hace estremecerte completo de la cabeza a los pies. No será una obra maestra como sus predecesoras, pero sigue siendo MUY sólida. Lo que tal vez para muchos no sea suficiente.

Lo que se refleja en la recaudación en taquilla de USA, pues normalmente sus películas alcanzan 120 a más de 200 millones de dólares, pero Marnie apenas y consiguió 31. Lo que es especialmente triste si pensamos que con una taquilla tan sólida como las anteriores se lo pensarían dos veces antes de cerrar de manera definitiva, pero con todo el extremo trabajo que toma hacer un film 2D pintado a mano, es difícil ver un futuro donde Ghibli vuelva, a menos que cambien su estilo de animación completamente. Lo que es aún más triste si consideramos que «Viento», «Kaguya» y «Marnie» son entregas sólidas y prometedoras de un largo camino que se ve truncado por esto.

El acto final es tan emocionalmente poderoso, que es como si tomara tu corazón con sus manos y apretase y apretase. No pienso decir cuál era la verdadera conexión que tenían las niñas y la naturaleza real de su relación, pero solo diré que si tienes sentimientos el epílogo debería dejarte llorando en el suelo como un bebe, o al menos hacer que te corra una lágrima.

Marnie es un hermoso último regalo, no será un film tan famoso o recordado por la gran mayoría como el grueso de sus otras películas hermanas, pero al menos es un cierre más que correcto, y emocionalmente poderoso que merece al menos ser visionado una vez siquiera. Y sirve además como un “adiós y hasta siempre” para 3 décadas de obras maestras entregándonos un mundo más alegre, luminoso y refrescante.

8/10


Descarga: Cuando Marnie estuvo ahí   (pass: monox1987)

Domo Arigato Gozaimasu, Studio Ghibli.
1985 – 2014
Oyasumi nasai.


Reseña Libro: Darth Vader e Hijo



DARTH VADER E HIJO

Editorial: Chronicle Books
Fecha de Publicación: 18 de Abril, 2012
Autor: Jeffrey Brown
Status actual: NO CANON
Reseña: Ñoño Cool

EPISODIO III Y MEDIO
DARTH VADER E HIJO

Darth Vader, Señor Oscuro
De los Sith, lidera el Imperio
Galáctico contra la heroica Alianza
Rebelde. Antes de que pueda
Hacerse cargo de ellos
Lord Vader primero debe
cuidar de Luke Skywalker
Su hijo de 4 años…

Una reseña corta para un libro pequeño, pero que tiene un corazón tan grande como la Luna de Endor. Es una bomba de ternura que solo había visto en forma ilustrada desde Calvin & Hobbes, y que actualmente en el panorama actual virtualmente ya no existe. Darth Vader e Hijo es una verdadera maravilla, una pequeña joya con la que todo padre que tenga un niño de corta edad o haya criado uno puede relacionarse.

Este libro que también puede pasar como tebeo, es sin duda una dulzura con la que tristemente me tope solo recientemente, y digo tristemente porque me habría gustado estar familiarizado hace mucho tiempo con él, y sin duda está en mi lista de “comprar si o si” para este año. Viene de la mano de Jeffrey Brown, un autor tan versátil como lleno de habilidad; que puede sacar de la manga un producto crudo, feo y sucio; así como un comic infantil de alta calidad.

Todo el formato de dibujo así como de composición de viñetas y páginas luce totalmente como un cuento ilustrado de los que le lees a tus hijos antes de dormir, pero el contenido si bien es para toda la familia, sin lugar a duda será disfrutado mucho más por los adultos ¿y cómo no hacerlo? Si la relación entre Vader y Luke tan cruda, compleja emocional y moralmente de amor/odio al punto de ser imposible estar juntos como padre e hijo que vimos en las películas, aquí se baña en inocencia y Darth se transforma en un muy comprometido y dedicado padre soltero con un trabajo importante que debe criar a su pequeño infante de la mejor manera posible.

Esto porque el pequeño que tome este libro podrá reírse con las situaciones, pero el fan ya crecido que haya visto la Trilogía Original notará todos los guiños, y el giro tierno que se le da a la fatídica relación entre ambos, por lo que creo pasará un tiempo de diversión enorme. Es un juego sentimental y calmado el que Brown juega y nos pide ser participantes, imaginar al Señor Oscuro de los Sith y al Jedi Rebelde como cualquiera de nosotros, pasando unas horas nostálgicas con tu hijo, hermano pequeño o sobrinito, esas que por largas que fuesen se sentían cortísimas por el gran tiempo que pasaban juntos.

Todas las situaciones que un padre primerizo y su hijito, o un adulto con un pequeño a su cargo ha pasado, son transformadas para calzar cálidamente con todas las situaciones, frases, y momentos icónicos de la saga espacial. Es un libro que muestra lo normal y cotidiano, esos pequeños momentos del día a día que te sacan una sonrisa, como cuando no quieren bañarse, o te hacen un dibujo pintado por ellos, se ensucian jugando, zapatean en la lluvia, hacen incesantes preguntas, le lees un cuento, juegan a las escondidas y mucho más; todo desde la perspectiva de Vader y Luke.

Luke Skywalker de 4 años es un niño muy normal y natural, lleno de curiosidad, ocurrente, imaginativo, molesto, insistente, cansador, dulce y simpático por partes iguales; es demasiado fácil compararle con cualquier otro niño con el que al menos yo haya tenido contacto y se parece mucho a varias de las experiencias que he tenido en la vida.

Es una caricatura dulce del universo de Star Wars donde muchos de sus personajes se pasean uno tras otro, y trasladamos las enseñanzas de Obi Wan “Ben” Kenobi con el sable laser a Anakin enseñándole como batear en un juego de baseball, aprender a usar la Fuerza para alcanzar unas galletas que se encuentran demasiado alto, el vestirse de Stormtrooper para rescatar a Leia en un disfraz de Halloween para pedir dulces acompañado de su padre, y más cosas de ese estilo, o utilizar lineas clásicas en contextos sorprendentemente geniales. Y lo mejor de todo es que es una adaptación fantástica que no cae en la parodia simplona, sino que todo se encuentra lleno de una comedia mucho más sutil y un humor muy blanco.

El dibujo por su parte es FANTÁSTICO, no lo digo porque sea muy detallado o una obra maestra compleja visualmente, sino que por el contrario, es tan simple e ingenuo en el trazo que transmite una sensación poderosa de nostalgia y niñez; el color por su parte si bien nos transporta a cada elemento y ambiente clásico de Star Wars, al mismo tiempo lo convierte en algo especial, ya que los tonos pastel hacen que todo parezca visto bajo los ojos de un niño al parecer como si hubiese sido todo dibujado con crayones de cera por un chico de 4 años, todo es familiar pero al mismo tiempo diferente.

Podríamos decir que este libro es la infancia soñada por Luke Skywalker quien anhelaba ese afecto perdido por la ausencia de su progenitor. Me gusta ver que incluso la persona más malvada puede tener un lado suave, demostrando lo difícil que es ser padre, no importa si eres el líder de un Imperio Galáctico.

Puede haber uno que otro chiste que no funcione como los otros, pero eso no importa dado el producto final; todo este libro infantil con un tono más adulto me recuerda a Snoopy y Charlie Brown de Schulz, y creo que ese es el mayor elogio que puedo hacer de esta carta de amor hacia el ser padre así como a Star Wars misma.  Junto con el “Buenas Noches Darth Vader” y “La pequeña Princesita de Vader” que pone a Leia en el lugar de Luke para mostrarnos la relación de un padre primerizo con una hija, este libro es algo que nadie debería dejar pasar si es que tiene un corazón latiendo en su pecho.

10/10




Reseña Comic: Irreedeemable



IREEDEEMABLE

Editorial: Boom! Studios
Fecha de Publicación: Abril, 2009 – Mayo, 2012
Guionista: Mark Waid
Dibujantes: Peter Krause, Diego Barreto, Eduardo Barreto
Reseña: Ñoño Cool

Hace tiempo un fan del blog me pidió que hiciera una reseña de este comic, y por fin tuve tiempo de releerlo. Lo había tocado en el año 2013 y en ese entonces lo encontré genial, con sus altos y bajos en cuanto a calidad a veces molestamente notorios pero generalmente de buen nivel, con un concepto mil veces explorado pero aún así con una ejecución bastante diferente, y por eso se había ganado un buen lugar en mi memoria como una lectura recomendable, ahora que lo releo creo que mi opinión sinceramente no ha cambiado. No es perfecto pero si muy digno de leerse.

¿De qué va el comic? Nos presenta una simple interrogante ¿Qué pasaría si el héroe más grande, amado y poderoso del mundo se volviese el villano más sanguinario y cruel de todos? Ese extraterrestre que viene de otro planeta al nuestro para ser nuestro eterno protector de capa y traje colorido que nos cuida usando su aliento congelante y rayos lasers oculares de los desastres naturales, científicos locos, monstruos y demás de manera incansable; un día se da cuenta de lo malagradecidos, miserables y egoístas que son los seres humanos gastando dinero en armas y desarrollando formas de matarse en vez de combatir el hambre; y por esto deja de tener fe en la humanidad y su buena voluntad, y por eso se cansa y dice basta y se vuelve un verdugo asesino de los que alguna vez protegió. ¿Y si no hubiese forma de pararlo? ¿O donde esconderse de él?

Esta sería una tercera entrega en una trilogía espiritual de Mark Waid donde analiza el concepto de superhéroe. En Kingdom Come las viejas generaciones luchan contra las nuevas, vemos el control vs la confianza, la libertad vs el abuso de poder y el núcleo de todo es el precio ético de ser un héroe; Luego vino Empire donde el mundo está dominado por un supervillano quien derrotó a los protectores de la Tierra y el heroísmo ya no existe; en Irredeemable vemos el costo del superheroísmo, donde un protector de capa y mallas con poderes de semidios demuestra que nunca estuvo emocionalmente equipado para ser un héroe y desata sus frustraciones contra el mundo.

Como dije antes, es un concepto mil y una veces usado y reusado, desde finales de los años 70 como mínimo, y usando a un Superman malvado incluso, cosa que DC ha hecho con el Sindicato del Crimen, Supes Prime y más, Marvel ha hecho con el Conde Nefaria y los numerosos Hyperiones que tiene y como 30 otros ejemplos de otras editoriales. Sin embargo aquí no es un protector que se vuelve un villano porque si nada más, sino que el Plutoniano (nuestro protagonista) es un hombre demasiado común, lleno de problemas y traumas que lo asechan desde la niñez dado sus habilidades, es alguien que jamás pudo sentirse parte de los que protege sino que rechazado por ellos, y nunca ha sido capaz de soportar la presión de tener que salva el mundo todos los días, de siempre estar alerta y disponible 24/7.

Plutonian es alguien que nunca estuvo hecho para ser superhéroe pero por sus poderes y buena voluntad se obligó a si mismo ha hacerlo para ver si podía ser aceptado de esa manera. Es alguien que presenta perfectamente el que no todos pueden soportar el tener que ser un ejemplo a seguir mientras tiene que lidiar con su vida normal y problemas personales, además de no ser capaz de superar los criticismos que vienen de la mano con ser popular incluso si lo logras ayudando al mundo sin descanso. Todos sus poderes nada más le traen frustración, rabia, resentimiento y mucha paranoia, de hecho es sorprendente que haya durado siendo héroe tanto tiempo y no haya explotado mucho antes.

Y cuando encuentra su límite y es sobrepasado por sus dramas se rebela y proyecta toda su rabia contra de Sky City desahogando todo lo que llevaba reprimido masacrando a miles de millones en el camino cruzando la línea y volviéndose alguien como dice el título del tebeo: sin posibilidad de redención. ¿Quién podrá detenerle ahora cuando nadie siquiera sabe su nombre real o cuál son sus debilidades?

El Plutoniano es el reflejo en un espejo quebrado de Superman. Mientras Clark tuvo una vida llena de amor, amistad, respeto y situaciones que lo llevaron a ser noble, con valores inamovibles y le ayudan a salir siempre con una sonrisa siempre buscando lo mejor de las personas; Plutoniano tiene una vida horrenda y traumática desde la niñez, desgracia tras desgracia le acompaña y a pesar de ser invulnerable y poder mover planetas, es una víctima de los que protege con tantas ganas para buscar aceptación, por esto cuando se cansa transforma a quienes abusaron de él en sus víctimas.

Aunque Waid no solo a Superman ocupa para construir su trama, sino que se vale de todos los clásicos de DC Comics teniendo su propia Liga de la Justicia llamada el Paradigma para poder hacerle frente a nuestro villano quienes les da caza para evitar que nadie le haga frente. El primero de ellos en caer por ser considerado el más peligroso es su versión de Batman, mientras el resto son liderados por Qubit (un super-genio que luce como Harold Ramis de los Cazafantasmas) para buscar cualquier información posible y puntos débiles sobre su camarada vuelto villano.

El que el grupo se enfrente a un ex compañero de equipo, además de ser para muchos la persona que les inspiró a volverse héroes hace que todo esto se sienta con un aire de tragedia en cada nuevo giro; y el subtexto homoerótico entre Plutonian y su archienemigo tipo Lex Luthor es divertido y te hace pensar que aplica en el caso de muchas dinámicas entre héroe-villano, en especial el Joker y Batman.

La historia se desarrolla bien. El pasado de nuestro protagonista está muy bien construido y comprendimos por qué el Plutoniano hizo lo que hizo, al menos en parte. La enorme presión de vivir con nosotros, cuidando de nosotros… era demasiado para él. Sumado a la tragedia y el rechazo… la mecha de la dinamita explotó y se llevó la mitad de nosotros con él.

Mientras más entendíamos a Toni, cada vez era más difícil poder ponerse de su parte, ya que sus acciones se hicieron más desagradables y sádicas. Terminas apoyando a los personajes que le rodean y estaban tratando de salvarnos, hasta cierto punto también, dado que hay giros argumentales tras giros argumentales que se tejen alrededor con la imaginación de Waid que logran crear un sentido de imprevisibilidad interesante.

Entre los defectos de la colección es que muchas subtramas se abren y cierran igual de abruptas y sin explicación, y que se hace muy laaaaaaaargo, creo que reduciendo sus números en dos tercios de los que tiene hubieran resultado en una lectura de lujo en vez de algo solamente muy bueno. El final también puede molestar a muchos por lo anticlimático que se siente dado que termina como de golpe, pero por las dos viñetas finales le perdono ese tema.

Y el dibujo… digamos que es mediocre, para ponerlo de manera suave. Todo es muy simple, no hay viñetas que sean demasiado rescatables ni nada de eso, el ritmo en las luchas, diseños de los personajes, etc se siente demasiado como algo del montón, cuando esta colección rogaba por un estilo visual único para poder diferenciarse y cimentar su identidad propia.

En todo caso, Irredeemable crea un mundo tan interesante que se sacó un spin-off llamado “Incorruptible” para explorar más de este, donde un villano trata de volverse “bueno” para proteger su ciudad; y la caída de un héroe emocionalmente inestable es una lectura que disfruté enormemente, tiene sus altibajos pero me gustaron mucho sus personajes sobretodo e hizo un muy buen trabajo con su premisa. Una lectura que para los amantes de los buenos transformados en malos así como los que gustan de los protagonistas poco clásicos y torturados disfrutarán sin lugar a duda.

7.8/10

Post:   Irreedeemable

Reseña Comic: Lobo Especial Navidad Paramilitar



LOBO: ESPECIAL NAVIDAD PARAMILITAR

Editorial: DC Comics
Fecha de Publicación: 1991
Guionistas: Keith Giffen y Alan Grant
Dibujante: Simon Bisley
Colorista: Lovern Kindzierski
Reseña: Ñoño Cool

Hoy comenzaré con un par de reseñas sobre la época que nos compete en este mes del año: NAVIDAD. Serán unas selectas aventuras de diferentes personajes referentes a Santa Claus o el espíritu navideño en general, y para dar el puntapié inicial les llevaré a recordar uno de los tebeos más famosos del género, y que también puede considerarse uno de los menos ortodoxos: La aventura donde el cazarecompensas galáctico Lobo es contratado por el conejito de Pascua para que mate a Santa Claus. Aunque antes de empezar, un poco de contexto.

Con la llegada de Alan Moore, Frank Miller, Neil Gaiman, Gran Morrison y más al mundo del comic revitalizando a Batman, Superman, Animal-Man, Daredevil y más, creando The Sadman, Batman TDKR, The Killing Joke, ¿Qué pasó con el Hombre del Mañana? Watchmen y más; Chris Claremont tomando las riendas de los mutantes y revitalizando la marca X-Men, Roger Stern y J.M. Demateis en la cabecera de Spider-Man; y un gigantesco etc. Los 80’s pueden ser la era de Bronce del comic, pero sin duda fueron una nueva época dorada. ¿Los 90 por otro lado? Palidecieron en comparación.

En esa época Moore se alejó más de los tebeos, Frank Miller comenzó su lenta y dolorosísima decaída en calidad; y como no, muchos autores famosos encabezados por Rob Liefeld iniciaron un movimiento nuevo pero dañino al panorama comiquero creando la editorial IMAGE, la cual tuvo una popularidad rápida y gigantesca y revolucionó la industria. Su nueva perspectiva era muy simple: Héroes amorales rápidos a usar lenguaje de grueso calibre totalmente fanfarrones, con músculos sobre los músculos, armas desproporcionadamente grandes, armaduras con pichos y cuchillas, que tomaban la justicia en sus manos, castigaban con brutal extrema violencia que haría ver al Punisher como un pacifista hippie, dejando ríos de villanos muertos rápidamente y daño colateral masivo en la ciudad; IMAGE se destacó también por hacer copias baratas de otros héroes de DC y Marvel para ponerlos en ese contexto al no tener los derechos. El dibujo era totalmente espectacular y cinemático mientras que la importancia del argumento y trama era prácticamente nulo. Su premisa era “la sangre vende” y vaya que tuvieron razón.

Las ventas iniciales fueron de un nivel nunca antes visto, y dominaron al panorama comiquero totalmente, entregaron cosas memorables aquí y allá, pero la mayoría absoluta eran de bajísima calidad. La caída en el terreno del anti-heroe amoral cambiando la distinción entre “héroe” y “villano” por más sangre y vísceras donde lo más interesante de cualquier historia era que tan grande sería el arma de fuego que portarían causó declive tan rápido como su éxito, a tal punto que más del 95% de sus títulos a finales de la década fueron cancelados por el bajísimo interés que generaban por ser todos virtualmente iguales y de poca calidad que  causaron una crisis económica en el mercado del comic de USA, pero su impacto de nuevos valores superheróicos más crueles sangriento y de alto impacto habían llegado para quedarse en el inconsciente colectivo al menos por unos años más, el fanfarron con poderes y sin escrúpulos seguiría ahí rondando.

Lobo fue creado en los 80 como parodia de los personajes ultra violentos como Wolverine y el Punisher, que peleaba por pelear y nada más, pero cayó en el olvido rápidamente. Ahora en este nuevo mundo de los 90 donde las páginas siempre estaban llenas de sangre, tripas, acción exageradamente absurda y gratuita, mujeres mostrando las tetas, y búsqueda desesperada por ser chocantes y llamar la atención con la violencia, es donde Lobo vio su oportunidad de resucitar como personaje de la mano de Giffen, Grant y Bisley. El personaje era el último superviviente de una raza que él mismo se había encargado de extinguir, y tal como muchas creaciones de IMAGE que copiaban descaradamente a otros héroes de DC y Marvel, este estaba inspirado fuertemente en Wolverine, y se volvió un ser cuyas aventuras parodiaban a lo que pasaba en el comic de superhéroes en ese entonces.

No había cómic más absurdamente violento que Lobo en esa era, no había tebeo con un lenguaje más soez y con más brutalidad que Lobo, no encontrarías más desmembramientos, ríos de sangre o armas gigantescas en ningún otro lado – a pesar de que lo intentaban con fuerza – y además le sumaba la cualidad de un humor negrísimo que se reía de todos los clichés del género. ¿Y lo mejor de esto? Que MUCHOS no entendieron que era una parodia – hasta en el copiar a otro personaje preexistente como Logan el mutante X – y los fans de las visceras y tripas en el suelo se enamoraron de Lobo y se hicieron sus seguidores, incluso IMAGE le sacó copias a él en la forma de Blood Wulf de la mano de Rob Liefeld. Supongo que darse cuenta de la ironía y el sarcasmo no es tan fácil como creía.

Y ningún comic del Main Man es tan bueno, o condensa de tan buena manera todos los excesos de los 90 que él a propósito representa que “Navidad Paramilitar”, donde el mercenario peleonero por excelencia es contratado para asesinar a Papá Noel.

Santa Claus ha sido representado en varias formas a lo largo de las numerosas historias navideñas donde aparece. Desde el alegre gordito de la sonrisa que siempre trae esperanza, un hombre sumido en su trabajo y más cerca a un hombre administrativo de oficina comercializado, a un luchador físicamente capaz de darse de golpes con quien sea para mantener sus valores, o que puede sacrificar su vida por la sonrisa de un niño; incluso hemos tenido versiones más paródicas de sí mismo o más enojonas; pero lo que se mantiene siempre es alguien que tiene la misión de esparcir esperanza y alegría al mundo. Esto es claro, hasta que apareció Lobo y su Navidad Paramilitar.

 Si son fans de Santa Claus y el Espíritu Navideño, este comic puede arruinar ambos para ustedes… así que están advertidos. Este será una de las primeras versiones de un St. Nicolas no solo vicioso sino que villano, cruel y brutal; vendrían más en el futuro como Santa’s Slay pero ninguna encarnación es tan monstruosa como esta.

El Santa aquí es un dictador brutal del Polo Norte que comanda una nación esclavista denunciada por Amnistía Internacional donde fuerza al trabajo a los niños con explotación infantil y los ha mantenido tan desnutridos y en abismales condiciones por los años que se han mantenido pequeños en tamaño elfo; y que en algunos paneles si prestas atención nos muestra que tiene algunos fetiches sexuales bastante asquerosos. El tener que entregar regalos una vez al año es solamente un truco de relaciones públicas que le ha evitado que la ONU lo bombardee, y así distraer la atención del mundo hacia otro lugar que el tiránico régimen donde se rompe cada derecho humano.

El especial sigue a Lobo, también conocido como el «Main Man «, quien es contratado por un borracho, celoso y cobarde Conejo de Pascua respaldado por varios otros personajes de festividades para matar a este Papá Noel, que ha llegado a ser demasiado poderoso gracias a la dominación de la Navidad sobre otras fiestas, su eliminación es por nada más que un tema de competencia comercial, ya que el conejo quiere ser el ícono festivo más rentable y para eso debe acabar con su principal competidor. Lobo acepta el contrato y abre su camino hacia el Polo Norte con Dawg, su perro ayudante. Y gracias a la presentación tan maligna de Santa el sacrilegio de un contrato sobre su cabeza se hace más fácil de comprar y seguir como historia.

El comic no tiene mucha historia realmente – recuerden que parodia a la IMAGE noventera – y se trata de Lobo brutalmente ejecutando a todos los elfos hacia su camino hacia Santa, y cuando lo encuentra este le reta a un duelo con un cuchillo y luchan a muerte a puñalada limpia. El corrupto ícono navideño no es rival para “El peor de los traviesos” ( “the Naughtiest One” en ingles original) y es asesinado de una manera violenta a más no poder que culmina en decapitación mientras todos celebran. Pero como quedan todos los regalos por entregar, el trineo, los renos y dos listados: uno de los niños que se ha portado bien y otros que se portaron mal… O como Lobo les dice “futuras presas” y “amenazas potenciales”; debe hacer algo para remediarlo… y utiliza la fábrica de Santa para crear armas de destrucción masiva que entrega a todos los niños traviesos para matar a sus futuros competidores. Es una historia tan violenta como exagerada y gamberra y que simplemente captura todo y cada uno de los excesos de aquellos años 90.

Un ejemplo de dicho exceso es cuando una pareja de padres no podrán comprarle regalos a sus hijos y en vez de temer decepcionarlos temen su rabia, y para evitarla asesinan a los niños; estaban tan aterrados de la reacción de los pequeños que su única opción era el asesinato. En cualquier otro comic de los 90 esto se vería asquerosamente gratuito y provocador solo por provocar, pero en los comics de Lobo sabemos que el humor del tipo más negro y la parodia son los que juegan su rol aquí. No es una broma que les agradará a todos claramente, pero al menos tiene propósito detrás.

Simon Bisley está a cargo del dibujo, es un artista conocido por ser un maestro en lo suyo que juega con trazos concisos y concretos para crear viñetas detalladas con sabor a genialidad pura, y este… no es uno de sus mejores trabajos, pero si destaca bastante. Captura perfectamente el horror de la historia y sus líneas como arañazos entregan la sensación de agresión en cada página. Todo personaje es representado en la manera más sucia y depravada posible, desde Lobo a los elfos y Santa, todos con proporciones raras y grotescas que lucen como haber sido torturados a medida que eran dibujados manifestando en el exterior físicamente lo asquerosos y podridos que están por dentro en sus almas y personalidades.  

Y su representación de la violencia que vemos demasiado seguido en este especial, está – a riesgo de sonar como asesino serial – impresionántemente compuesta, el horroroso gore, cada desmembramiento, cada puñalada rampante, brazos volando, mutilaciones, tripas cayendo y cabezas siendo decapitadas, ojos sacados de sus cuencas y más, todo tiene un brutal detalle que le entrega un efecto de velocidad y adrenalina.

La ultra violencia se nota en los colores de Lovern Kindzierski, quien en la mayoría del comic mantiene los tonos muy pálidos y hasta aburridos podríamos decir, excepto en las situaciones más depravadas y brutales donde los colores brillantes aparecen a destajo para destacarles, jugando con una morbosa ironía al combinar los colores navideños verde y rojo reemplazandolos por los cadáveres de los elfos y la sangre que sale de ellos.

La asquerosa exageración del tebeo exacerba la codicia, el comercialismo, la clase política corrupta y todo mezclado en el contexto navideño de la manera más cínica y subversiva posible concentrando todas las “cualidades” que hicieron a Lobo tan popular. No por ser un especial navideño tuercen la personalidad del personaje y el tipo de historias en las que está envuelto para que el “espíritu de la festividad” se refleje en él, sino que simplemente se mantiene fiel a sí mismo… tal vez demasiado fiel. Los mejores Especiales Navideños siempre son mitad y mitad, encontrando un buen balance entre el tono de navidad y el que el personaje su mitología propia tiene; pero acá simplemente se va derecho al último aspecto usando los mitos navideños con su modo hyper violento para lanzar un comentario anticapitalista. Pero bueno, ese es Lobo realmente y tal vez el balancear su estilo se hubiese sentido muy falso.

Y la popularidad de esta historia hizo que se transformarse en un fan film el año 2002 como una película independiente como parte del Instituto de Film Americano con actores live action caracterizados como los personajes protagonistas, incluyendo a un Lobo calcado de las páginas.

Creo que este comic tiene 2 calificaciones posibles. Como parodia a los años 90, como condensación de todos los excesos y clichés cometidos por sus gamberros personajes en esa época, burlándose y exagerando aún más la falta de guión y prevalencia de la violencia por el mero gusto de la violencia es perfecto, un 10/10 el mejor ejemplo posible de esos tiempos PERO como un comic en sí mismo, algo donde podamos evaluar su historia, personajes y cosas así ubicados en la navidad con un toque diferente que pueda leer un lector cualquiera que no conozca o no le interese el trasfondo tras la exageración del personaje creo que es bastante más vacío y monótono en su contenido, por lo que creo que se ganaría un 6.4/10. Ustedes vean con que calificación se quedan.

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Reseña comic: El Gran Catsby



EL GRAN CATSBY

Fecha de Publicación: Noviembre 2007
Guionista: Doha
Dibujante: Doha
Reseña: Ñoño Cool

“Sí, ya sé que soy un pato… Nunca he negado que lo fuera.”
– Houndu

Nuestro protagonista Catsby puede ser resumido en una sola palabra: perezoso. Es un maldito vago, un flojo sin más objetivos en la vida que dormir, comer, tener sexo y volver a dormir; ojalá todo eso se pueda hacer sin la necesidad de levantarse de la cama mientras pasan y pasan los días con monotonía. Vive en los barrios bajos de Seúl junto con Houndu, un caradura total con mucha suerte con las mujeres, poseedor de una actitud enfermantemente positiva sobre la vida; es él quien tiene trabajos esporádicos y mantiene el flojo trasero de Catsby pues éste le tiene alergia al trabajo.

Este gato también se destaca por ser bastante joven, un tipo de veintitantos quien está descubriendo la vida y las cosas que ésta puede traer, en especial el amor. Esta historia es un pequeño extracto de la vida de este vago, cómo explora el estar enamorado y las consecuencias que esto trae, las inseguridades, los miedos, la vulnerabilidad, los celos, tristezas, dolor, momentos inesperados, las alegrías, el impulso de hacer idioteces, el juego, los besos breves que se juran inolvidables, y el tener que conectar con otro ser humano en un nivel que no se creía posible.

Esta obra es un manhwa, el equivalente coreano del tan popular manga japonés y un gran desconocido para muchos lectores dada la poca cantidad de material de este tipo que llega a occidente y muchas veces la ignorancia de los lectores (entre los que me encontraba) que no sabían diferenciar entre manhwa y manga, y por eso cuando ponían las manos sobre una obra coreana ni idea tenían. Lo positivo es que se está haciendo un espacio en este lado del globo gracias a editoriales dedicadas a subir cosas provenientes de oriente, y que nos permiten leer pequeñas obras maestras como esta.

Son 6 largos números compuesto por cerca de 270 páginas, y el último supera las 350 y posee un concepto tan simple pero ejecutado en un nivel realmente maestro. El flojo de Catsby descubre que la que creía su novia por ya 6 años, llamada Persu, estaba saliendo con un hombre mucho mayor que ella y él y con el que ya tenía planes de casarse, es más, le invita a su boda unos días antes de que esta ocurra y nuestro protagonista recibe todo esto de golpe. Para poder superar esta situación de gran inestabilidad y vulnerabilidad emocional, sale con Houndu a bares de karaoke y paga para que le coqueteen mujeres (cosas de la cultura surcoreana) pero nada le anima realmente.

Después de que pase el casamiento de su novia con otro hombre, Catsby comenzará a salir torpemente con una ingenua chica llamada Sol con la que entablará una tiernísima relación que básicamente captura toda esa sensación del primer amor en la más temprana juventud. Houndu por su parte tratará de conquistar una mujer mayor por órdenes de su viejo marido quien le paga para que tenga sexo con ella; y esta señora será el mayor reto del sonriente mujeriego.

Esta es una obra maestra, se que ya lo dije pero tengo que repetirlo: ES UNA OBRA MAESTRA. Aclarar obviamente que es una historia de tipo costumbrista, un “slice of life” que meramente sigue a nuestros protagonistas explorando el concepto del amor y no encontrarás acción, violencia o cosas que normalmente pensarías cuando piensas en un tebeo; pero sabe lo que es y si tú también sabes a lo que vas, creo que la sensación después de leerlo que tendrás es de que acabas de experimentar una verdadera genialidad.

Una obra totalmente sencilla, nada pretenciosa, que explora con la lupa de la madurez y la experiencia de un adulto las vivencias de cuando todas tus emociones estaban llenas de confusión y exageraciones, pues creías que solo necesitabas un beso y una sonrisa de otra persona para ser feliz. Este manhwa con un título tan engañoso como «El Gran Catsby» pues  no tiene nada que ver con el famoso trabajo de Fitzgerald, puede ser catalogado como hermoso en todos sus aspectos, construcción de personajes, diálogo, narrativa, y sobretodo el dibujo.

La obra es protagonizada por animales antropomorfizados, en especial gatos y perros. Hay algo en la industria que les hace elegir animales con forma humana para construir sus historias, decisiones que pueden tener cierto peso metafórico como en “Maus”, o anecdótico como “Yo maté a Adolf Hittler”, y la mayoría de las veces se eligen los gatos, ejemplos de eso son Blacksad o El Gato Fritz. Y tal como esas obras a pesar de estar viendo versiones antropomórficas de animales no humanos, estos se sienten dotados de más humanidad que cualquiera de nosotros.

Cada uno de los personajes se siente extremadamente real, los llegas a querer u odiar, les tienes lástima y quieres ver triunfar, o caer en el barro en humillante derrota; y gracias a su continua evolución los que alguna vez gozaron de tu simpatía terminan siendo los que más desprecias o viceversa. Cada emoción que ellos sienten la puedes sentir tú también, pues es fácil identificarse con ellos gracias a la naturalidad con la que están escritos.

El dibujo por su parte es FENOMENAL. El barrio donde viven nuestros protagonistas se vuelve un personaje más gracias a la forma en cómo está construido el escenario con esos primeros planos, close ups y más técnicas visuales, captura toda la atmósfera del lugar y le dota de mucha vida, lo mismo a cada actor en esta comedia romántica, quienes están dibujados al gran detalle y con mucha expresividad. El juego de luz y color es magnífico, esos tonos cálidos y los espacios en blanco rellenados con colores planos en cada viñeta le entregan un “nosequé” que me hace sonreir siempre. Además la forma en cómo está compuesta cada página, con solo 2 grandes viñetas cada una, me hace sentir como que no estoy leyendo un comic, manga o manhwa en este caso, sino que leyendo verdaderamente una película.

Su narrativa es tan ágil que te lo lees en unos minutos a pesar de ser más de 1700 páginas en total, muy atrevida, llena de ternura y diversión que casi puede ser un poema visual, no importa la situación que nos entreguen, ya sea esa ex molesta que regresa a tu vida justo cuando juras haberla olvidado y estás con otra persona, ese celular que esperas que suene con la llamada de ese alguien especial pero parece que jamás lo hace, y más cosas de ese tipo. Pueden parecernos cosas muy triviales ahora con la mirada de la adultez, pero en esos entonces tenían un sentido trascendental que Doha sabe capturar a la perfección.

No me extraña que le hayan sacado una serie live action con personas para TV, un musical de teatro y una película animada, todo allá por su natal Surcorea. Si tengo algo que sacarle no lo encuentro, incluso su final que fue algo confuso para mí en un comienzo, luego se transformó en un golpazo de cruda realidad; no era el que yo quería, pero si el que la obra necesitaba, el problema es que me dejó un vacío enorme emocionalmente… ni siquiera puedo explicar por qué, pero es tal el impacto que creo que “El Gran Catsby” es LEJOS el mejor comic que jamás quiero volver a leer. Una obra que te engancha de principio a fin y que todos deberían hojear alguna vez en sus vidas.

10/10 


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Recomendaciones Navideñas Parte 1: Comics

RECOMENDACIONES NAVIDEÑAS PARTE 1: COMICS

Ok, para terminar con el tópico navideño, dejaré las reseñas de lado por un momento para traerles algunas recomendaciones para estas fechas, y en esta primera parte serán historias salidas de los comics que van desde lo ridículo a lo genial dependiendo de quién lo mire. No serán reviews ni nada por el estilo, sino que pequeñas piezas de tebeos que son ideales para leer en estas fechas.

SANTA ULTRON Y LOS VENGADORES

Si pensamos en un gigantesco hombre barbudo invadiendo miles de millones de casas la misma noche suena muy aterrador, así que cuando los Vengadores tienen una fiesta Navideña y aparece un tipo en un traje rojo con una mirada más muerta que el Tío Ben, pues todos se asustan. Y resulta que este Santa-bot es un terminator enviado por Ultron con protocolos de “Niños buenos/malos” en su sistema y comienza a aplicarlo a cada superhéroe ahí reunido. Por suerte es una historia de un par de páginas que se resuelve rápido, ya que conociendo al Marvel actual esta situación se hubiese estirado en un mega evento de 6 meses.

SANTA CLAUS POSEE EL GUANTELETE DEL INFINITO Y SE VUELVE MALVADO

Uno de los artefactos más poderosos de Marvel es el Guantelete que te permite controlar la realidad misma a voluntad, volviéndose básicamente un dios sin limitaciones. Y Santa Claus en el Universo Marvel es EL MUTANTE MÁS PODEROSO JAMÁS REGRISTRADO… incluso más OP que Apocalypse como muestra el especial navideño de 1991, donde derrota a la hermandad de mutantes volviéndolos juguetes, vence a los X-Men con un movimiento de mano y les borra a todos la memoria… este Santa Claus Marveliano no es un tipo alegre, sino que todo un badass.

 Así que es de partida extraño cuando los Illuminati (Tony Stark, Black Bolt, Namor, Doctor Strange y otros más) encargados de proteger el universo pensaron que sería una buena idea dárselo a Santa Claus cuando sus renos quedaron inactivos por un ataque alien para que entregue sus regalos a tiempo… ya de por sí es peligroso pasárselo a un humano, imagina pasárselo a un mutante Nivel Omega. Y los resultados son de esperar desastrosos, pues Santa se corrompe, vuelve loco y quiere conquistar el mundo… por suerte Namor – el Aquaman emo de Marvel – lo derrota lanzando una bola de nieve e Ironman le construye renos metálicos alcohólicos para reemplazar los perdidos.

LOBO ESPECIAL NAVIDADES PARAMILITARES

¿Qué pasa si mezclas todos los excesos de los comics EXTREEEEMOS de los 90 con las fiestas navideñas? Pues tienes una masacre de proporciones épicas en el Polo Norte cuando el Conejo de Pascua contrata a Lobo para que asesine a Santa Claus, quien es un dictador de una nación de niños desnutridos que usa como mano de obra esclava vestidos de elfos para mantener su taller. Lo que sigue es nada más que brutalidad exagerada al 1000% como solo Lobo sabría traer.

SANTA DOOM

Sin duda el personaje más parecido al Grinch o Scrooge en los comics no es ni Magneto o Lex Luthero, sino que Victor Von Doom; así que es sorprendente que cuando el solitario monarca de Lavteria está cansado de pasar otra Navidad y encuentra a Santa Claus atrapado en una de las trampas para oso de su castillo, acepta la petición del gordo para que lo reemplace entregando regalos por el mundo. El problema es que si bien las intenciones de SANTA DOOM son buenas, los héroes no le creen y lo atacan y solo una niñita es capaz de detener la lucha cuando ve a San Nicolás siendo apaleado por los Vengadores diciendo que es un supervillano. Luego de que su factor mutante curativo sane sus heridas, el verdadero Santa vuelve a sus deberes, y la niñita que detuvo la lucha le regala su osito de peluche, cosa que hace que Victor sonría de alegría.

BATMAN NOEL

¿Qué pasa si mezclamos Un Cuento de Navidad de Charles Dickens con Batman? Pues tenemos uno de los comics más novedosos, mejor escritos y únicamente dibujados del Caballero de la Noche en sus 75 y más años de vida. Bruce se ha vuelto salvaje con los criminales, egoísta, cruel y centrado en si mismo haciendo más daño del que previene y causando más miedo en los inocentes que en los criminales; por esto 3 personajes claves en su vida haciendo el rol de los fantasmas le demostraran a su manera los errores de su camino y tratar de regresarle algo de optimismo a un Batman envuelto en la rabia y el odio. Sinceramente este es LEJOS el que más recomiendo del montón al ser una casi impecable historia del personaje y un clásico instantáneo desde que salió.

BATMAN V SUPERMAN: DAWN OF CHRISTMAS

Cuando Superman quiere vestirse de Santa Claus para sorprender a una familia y llevarles todo el espíritu navideño; Batman aparece para reírse en la cara del kriptoniano y decirle lo patético que es eso, ya que con sus poderes podría estar salvando millones de vidas en lo que demora hacer esa charada, que la Navidad es ridícula y que mejor se aparezca vestido de Superman en esa casa y no de Santa porque así los niños estarán aún más sorprendidos. Cuando Clark le hace caso y sale vestido de Supes en esa casa… encuentra que Bat-Grinch no lo era tanto pues está Bruce vestido de Santa en la casa y su discurso era un plan para engañarlo y así poder robarle el crédito… esto lleva a un final de lujo donde ambos se enfrentan por el espíritu navideño, aunque no como imaginan.



HELLBOY – NAVIDADES SUBTERRANEAS

Cuando el investigador de lo paranormal se cruza en las épocas navideñas con una moribunda mujer que está siendo controlada por un vampiro posesivo que dejaría a cualquier novio celoso en ridículo, es la tarea de Hellboy poder traerle su merecido descanso. Esto lleva a una historia corta pero llena de atmósfera donde confunden a nuestro héroe demoniaco con el mismísimo Santa Claus y que a pesar de sus escasas páginas se ha vuelto uno de los relatos más memorables del personaje dado lo bien construida que está toda la aventura.

SANTA VS DARKSEID

Para finalizar, otra historia corta navideña, parte de un especial recopilatorio donde nos muestran que no solo el Santa de Marvel es un badass, sino que el de DC también, ya que todos los años va a Apokolips nada más que para dejarle un pedazo de carbón como regalo a Darkseid, quien considera al gordo alegre un peor enemigo que Superman o la Liga de la Justicia, pues no importa cuánto aumente la seguridad y las trampas mortíferas, Santa siempre las supera para burlarse de él y dejarle lo que merece en Navidad.

Y ustedes ¿Qué otros comics recomendarían leer estas Navidades?

Reseña Documental: «LA MUERTE DE «SUPERMAN LIVES»: ¿QUÉ PASÓ?»


RESEÑA DOCUMENTAL: «LA MUERTE DE «SUPERMAN LIVES»: ¿QUÉ PASÓ?»
Fecha de Estreno: 9 de Julio, 2015
Director: Jon Schnepp
Guionistas: Jon Schnepp 
Productora: Ninguna, fue financiada por los fans.
Reseña: Ñoño Cool
¿ES UN PÁJARO? ¿ES UN AVIÓN? ¡NO! ¡ES SUPERM… ESPERA… ¿DÓNDE DIABLOS ESTÁ SUPERMAN? ¿¿Y ES ESE NICOLAS CAGE??
¡Mi reseña número 100 para la página! Y tal como «celebré» la nº 50 abriré el baúl de los recuerdos y hurgaré en el rincón de los Elseworlds y revisar esas historias… pero este caso no es como las reseñas anteriores sobre el tema, nop… este es especial. No es un one shot fuera de continuidad donde los personajes más populares de la compañía eran puestos en variadas situaciones que iban de lo interesante y sutil a lo simplemente descabellado, donde se buscaba ponerlos en contextos muy diferente a lo acostumbrado pero siempre manteniendo su esencia donde los escritores podían dar rienda suelta a su imaginación poniendo a la Liga de la Justicia como vaqueros forajidos o Superman criado por Darkseid… no, este es especial, MUY ESPECIAL.
Me refiero porque este no es un comic publicado bajo el sello Elseworld realmente, sino que pertenece a las adaptaciones fílmicas de los personajes de DC, y como las películas son reimaginaciones del canon DC en un formato audiovisual dando rienda suelta a su creatividad y tomando libertades con el material de origen (como vimos en Man of Steel o la trilogía de Batman de Nolan), pues técnicamente son elseworlds. Y aún así dentro de las películas de DC el objeto de nuestra review sigue siendo algo único. Primero porque no es una producción tipo blockbuster sino que de clase documental, y segundo porque es sobre un film jamás estrenado sobre el Hombre de Acero. Hablo claro está – y como ya les debe haber adelantado el título de esta reseña – sobre el documental: «The Death of Superman Lives: What Happened?» (Traducido como «La Muerte de «Superman Lives» ¿Qué pasó?» para los no angloparlantes) 
Hay un sinnúmero de películas que estaban en desarrollo, pero nunca llegaron a realizarse, pero “Superman Lives” es bastante notable por lo grande que era el proyecto, los nombres involucrados y hasta qué punto a lo largo de su desarrollo llegó antes de que se decidió cancelarlo. Una de las cosas más interesantes de este documental es que gracias a que el internet estaba apenas creciendo en 1998 y los medios no le dieron mucha cobertura al tema, no se supo que tan cerca estuvo de estar terminado el film y pasó a ser una especie de mito urbano con las escasas imágenes de esto disponibles, siendo la de Nicolas Cage en un horrendo traje de Superman – que resultó ser una mera prueba de vestuario como explica el documental – la que más estuvo dando vuelta. Aquí es donde entra Jon Schnepp, para poder sacar el velo de misterio que cubrió por tantos años este “mito urbano”.
Para poder reseñar correctamente el documental, ya que esta será una review inusualmente larga, la dividiré en 3 partes: «REVISIÓN TÉCNICA DEL MISMO», que englobará el cómo se hizo, análisis de la entrevistas, presentación y aportes de las personas que aquí aparecen (la parte aburrida de la reseña); una segunda parte que verá «QUÉ ERA SUPERMAN LIVES» donde revisaré el contenido del docu, las ideas sin usar, diseño de traje, trama que tendría el film, enfoques, Nicolas Cage en el rol de Superman, la visión de Burton para el kriptoniano, cómo sería Kriptón, y los enemigos incluirían a Brainiac, Lex Luthor, Doomsday, osos polares, ninjas y una araña gigante (la parte entretenida de la reseña por su rareza) y por último LA OPINIÓN DE LA PELÍCULA CANCELADA Y DEL DOCUMENTAL EN SI que será bueno… eso, mi toma en qué realmente nos perdimos al haber cancelado «Superman Lives» y cómo hubiese impactado el panorama comiquero actual, ademas de ponerle nota final al trabajo de Schnepp.
1) ANÁLISIS TÉCNICO: INVESTIGANDO EL SANTO GRIAL DEL COMIC 
El director, productor y guionista Jon Schnepp desde que escuchó sobre la situación se sintió personalmente fascinado con el tema y el ángulo extremadamente diferente que pretendían tomar a la hora de adaptar al Hombre de Acero, tanto así que se dedicó por varios años a desarrollar este documental lleno de una sorprendente cantidad de información dado a la profunda investigación hecha, con toneladas de concept arts, escenas tras las cámaras nunca antes vistas y entrevistas con todos los jugadores claves en el proyecto.
Para financiar esto Schnepp usó la plataforma de Kickstarter y solicitó el dinero de numerosos fans que colaboraron económicamente para poder dar vida al sueño del director y poder conocer los secretos de la misteriosa “Superman Lives” que estuvo a punto de estrenarse en la década de los noventa.
Actualmente tenemos decenas de películas basadas en personajes comics dando vuelta con aún más de ellas proyectadas a estrenarse en las décadas por venir siendo el tipo de films más rentables en existencia en este momento, es fascinante ver lo diferente que era el panorama para este género al final de los 90s, donde eran vistos como un tremendo riesgo financiero el realizarlos y ni siquiera Warner Bros. quienes fueron el estudio más exitoso hasta ese punto – actualmente Marvel/Disney – con ese tipo de películas gracias a los films sobre Superman y Batman que habían salido hasta ese entonces se atrevía con confianza a dar luz verde a lo relacionado con los tebeos – aunque claro, ellos fueron también los que estrenaron Superman IV y Batman & Robin – viendo incluso como nos muestra el documental a los escritores de comics como criaturas extrañas y sin peso ni prestigio para los ejecutivos de los estudios.
Una peli que tuvo hasta 3 guionistas diferentes en un mismo punto, cada uno con un libreto totalmente diferente, que contaba a Tim Burton como el director y al en ese entonces aún prestigioso actor Nicolas Cage – sep, los más jóvenes de ustedes no lo recordarán pero hubo una época donde Nic Cage si era digno de respeto y no una broma al nivel de meme de internet que es ahora – en el papel principal como el Hombre de Acero. 
Este proyecto es de los episodios más oscuros en la historia del personaje que le ha dado que hablar por décadas ya a Kevin Smith (con su famoso monólogo al respecto que pueden encontrar online) y ha dado pie a cientos de especulaciones y ríos de tinta escritos al respeto sin mayor entendimiento del tema que lo minúsculo que se ha dejado ver. Y con este documental Schnepp pretende acallar todo al respecto y realmente aclarar la situación.
Para esto habla con dichos 3 guionistas que tuvo “Superman Lives” incluyendo a Kevin Smith (Clerks, Daredevil: Diablo de la guarda), Wesley Strick (El Cabo del Miedo, Doom) y Dan Gilroy (Nightcrawler), además del director Tim Burton (Batman, Beetlejuice, Eduardo Manostijeras), el productor del proyecto Jon Peters (Batman) y muchos, muchos otros personajes envueltos en el diseño de producción, criaturas, sets, disfraces y más aspectos además de concept arts hechos por Burton, bocetos y más material inédito.
Algunas de estas historias serán familiares, en particular las de Smith, dada su segunda y prolífica carrera como monologuista y podcaster. Pero hay un montón de información nueva ya que Smith sólo escribió los primeros borradores del guión, y por eso no está tan presente a media que el documental continúa, pero aún así él es siempre muy divertido al contar estas historias, por lo que todavía es entretenido oírlas de nuevo. Además, es bastante genial escuchar que “Superman Lives” y trabajar con Jon Peters esencialmente fue lo que lanzó esta segunda carrera como comediante, ya que eran estas historias sobre el set que atrajeron la atención que del público hacia Smith, les guste el tipo o no.
Jon Peters por su parte es más o menos el protagonista de “La muerte de Superman Lives”. El peluquero vuelto productor con increíble éxito es un personaje MUY distinto a los demás entrevistados – un hombre que se jacta de haber estado en «500 peleas callejeras», antagoniza a su equipo de trabajo por su reacción insensible a su trabajo y alguien de que casi todos los demás entrevistados hablan mal, ya sea por su modo de actuar, actitud o ideas ridículamente estúpidas para el film. 
Para los que seguimos el desarrollo de este documental, sabemos que la entrevista con Peters fue lograda tan tarde en cuanto a la producción siendo realizada extremadamente cerca a la fecha de lanzamiento del documental, por lo que es sorprendente como Schnepp y sus editores la incorporaron tan bien, montando piezas de diálogo de Smith y otros como punto/contrapunto a las locuras que lanzaba Peters y cómo mientras él justificaba sus reacciones el resto o se reían de él o se quejaban por su horrible forma de trabajar pues créanme cuando les digo que Peters veía las cosas muy diferentes en casi todos los casos. Y claro, la entrevista con Tim Burton en su propia casa en el Reino Unido es visualmente tan a la Burton como esperaríamos.
“La muerte de Superman Lives” en el medio de duración se pone algo demasiado llena de información no procesada. Ciertamente hay una gran cantidad de material interesante sobre el enfoque sobre el traje de Superman los cineastas estaban tomando, y que tendría múltiples trajes involucrados que servían para diferentes funciones. El diseñador de vestuario Colleen Atwood (quien creó las versiones de TV actuales de Arrow, The Flash y Supergirl) discute lo que Burton le pidió a ella y vemos una gran cantidad de material de las entrevistas con los creadores de efectos especiales encargados de diseñar algunos conceptos totalmente extraños que te dejan con la boca abierta en estupor pensando cómo diablos alguien creyó que funcionaría, incluyendo un traje que estaba lleno de luces. Mientras que este material vale la pena totalmente – Schnepp claramente quiere mostrar por qué la gente se han equivocado al criticar sobre aspectos de la película que realmente no entendían al faltar el contexto de estas –se va un poco demasiado largo en duración, con un poco más de especificidad que tal vez se necesitaba sobre estos temas, priorizando los detalles por sobre la importancia de lo más general.
El docu en general es interesante pero nada sobresaliente en cuento a como fue editado y grabado, en los aspectos técnicos hay ediciones de sonido de calidad y como dije el trabajo de investigación es enorme, pero el estilo si bien no es amateur tampoco demasiado profesional, como documental su contenido es interesante, pero el estilo en como fue armado deja mucho que desear. Y en cuanto al hombre detrás del documental, Jon Schnepp… pues creo que deja mucho que desear como presentador y entrevistador del mismo. En su rol de director, guionista y productor merece un alto respeto gracias a las personas que consiguió contactar y los muchos datos a recopilar que debió ser algo extremadamente difícil y extenuante; pero como conductor del documental… es un tipo que se me hizo bastante antipático. 
Lo he visto decenas de veces como panelista en los shows “AMC Movie Talk”, “Collider Movie Talk” y “Collider Heroes” en la plataforma de Youtube y si bien me gustan sus aportes siempre sentí que era algo petulante a la hora de entregar sus opiniones, pero era solo un pequeño aire que nunca pasó a más; pero en su documental esta suposición se hizo demasiado aparente al verlo ser tan condescendiente – en el mal sentido de la palabra – con sus entrevistados en gran parte del documental, en especial en la manera en cómo trató a Tim Burton, además de insultar en más de una ocasión a los fans de comics, llamándonos “sudorosos” o pintándonos como un grupo que solo se la pasa criticando, quejándose por nada y siempre insatisfecho. Y si, hay un buen número de comiqueros bastante vocal que cumplen dicha descripción al dedillo, pero también un número aún mucho mayor de gente que no lo son y que claramente están muy mal representados en su forma de referirse al grupo como un todo. Y para alguien que hace un documental de este estilo, la gente a la que insulta es su público objetivo. Pero bueno, es un aspecto que se puede pasar por alto dado el contenido que aquí se presenta.
Hay entre todas las entrevistas, una con Grant Morrison de protagonista quien nos entrega un monólogo DE LUJO donde explica quien es Superman y qué representa. Tengo que admitir que simplemente se me puso la piel de gallina escucharlo hablar sobre el Hombre del Mañana en su tupido acento escocés, se nota que este hombre SABE quién es Superman y lo entiende a la perfección, su fumada etapa de Action Comics de lado, este es una de las personas que mejor comprende al personaje y fue un toque de oro tenerlo haciendo la introducción.
Este es un documental no de alto nivel ni mucho menos, pero si cumple lo justo en cuanto a composición y orden para exponer el fascinante contenido de este. Y dicho contenido es el tema de la segunda parte muchísimo más interesante de la reseña sobre “La muerte de Superman Lives”.  

2)  «SUPERMAN LIVES»: PRODUCTORES LOCOS, NICOLAS CAGE OF STEEL, ARAÑAS GIGANTES, BRAINIAC VS OSOS POLARES Y MÁS 
Para comenzar, decir que como en esta época el internet estaba comenzando a ser algo, la información no estaba tan a la mano y por eso los dueños de los derechos de Superman (la Warner) en ese entonces no supieron que se les había acabado el tiempo con ellos y se haría una subasta; aquí fue donde Jon Peters los termina comprando y  se reunió con la gente de Warner para poder realizar una película sobre el personaje, pero una a su estilo. Los 3 guiones que se escribieron todos giraban en torno a la “Muerte de Superman” que había revitalizado los comics del kriptoniano en los 90 después del daño en ventas que la película “Superman IV: La Búsqueda de la Paz” había causado.


 Podemos escuchar a hablar a Kevin Smith, quien habla de que en su guión tendría 7 villanos, un cameo de Batman y más, para construír un Universo Cinemático DC apoyándose en esta película, pero fue rechazado por amateur, sin estructura y «comiquero» por el mismo Tim Burton, lo que causó el despido del podcaster. En cuanto a esta decisión, pues yo concuerdo ya que hemos tenido perfectos ejemplos de poner demasiado en un solo film, como ha pasado con las películas de Linterna Verde, Origenes Wolverine y más; por mucho que le duela a Smith su despido fue acertado.


Con Burton la cosa tampoco anduvo bien, pues Tim no quería regresar al mundo de los superheroes y lo hizo de mala gana, el guionista que trajo a bordo no había leido ni visto nada de Superman, y una película con un libreto ultra fanboy pasó a ser una donde nadie conocía quien diablos era Clark Kent.  Lo único que Strick y Burton realmente sabían de Superman era que el personaje salía en el día mientras Batman en la noche… no sonaba mucho a algo prometedor realmente.


 Y como no, Peters andaba metiendo su nariz en todo el asunto, forzando a la gente que le leyese los guiones pues su «pantalla mental» no lo dejaba, no quería que Supes volara y que no usase la capa porque le parecía «maricón» y quería que Superman luchará contra ninjas en el edificio de Lex Luthor. Además iba al set usando apretadas llaves de estrangulamiento de jiu-jitsu a las personas para poder “entregarles energía con sus bromas”, así mismo le dio un beso en la boca a Tim Burton quien en la entrevista dice que él hubiese preferido que lo estrangulara. ¿Por qué hizo todo eso? Para darles a probar el sabor de la sangre. Para ser un peluquero transformado en productor hollywoodense este hombre es bastante duro, y demencial.



NICOLAS CAGE fue elegido para ser Superman por el mismo Peters, porque “No era un niño bonito como Reeve, sino que tenía ese lado luchador y callejero, transmitiendo energía y emoción”. Lois Lane sería Sandra Bullock, Kevin Spacey sería Lex Luthor (y terminó siéndolo en Superman Returns), Chris Rock sería un Jimmy Olsen negro (o sea que esa idea se tenía antes que el show de Supergirl) y el gran Christopher Walken sería Brainiac. Este cast no me convence nada PERO DARÍA MI BRAZO IZQUIERDO PARA PODER VER A WALKEN COMO BRAINIAC, sería algo tan malditamente horrible, tan pésimo y tan imposible de mirar que me deleitaría en ello.


Entre los trajes de Burton para Superman, estaba uno biomecánico de regeneración que Supes se pondría luego de la batalla contra Doomsday; hecho de plástico derretido sobre un material fluorescente que lo hacía ver como una cosa casi traslucida y con decenas de reflejos con circuitos LED’s que le daban un aspecto como jabonoso. Este traje solo sería usado por menos de dos minutos en el film en usado en una escena donde Supes se baña en neutrinos para recuperar sus poderes y sanarse. ESTE ES EL TRAJE que se filtró al público y causó la furia del internet cuando lo vieron fuera de todo contexto creyendo que sería el definitivo. El clásico por su parte tendría un brillo metalizado y no llevaba los calzones rojos a los que se referían como “pañales”. Punto para Schnepp por aclararnos esto con su documental. 




Nuevamente tenemos las locas y estúpidas ideas de Jon Peters en la mezcla, quien quería que Superman no volase, sino que diese saltos a la Hulk, que su capa fuese un arma tipo Spawn con vida propia y que se pudiese usar para CORTAR CABEZAS y transformar a Superman en un BOOMERANG. Diablos… doy gracias a Zod que esto no se ha tomado en cuenta en ningún film del personaje. ¿Alguien me explica cómo diablos Peters consiguió su trabajo?
Clark Kent por su parte  sería un tipo ultra nervioso y cobarde,  una parodia insultante a lo que se considera un fan de los comics, pues tendría sacos de colores brillantes sobre camisetas de Mickey Mouse, el cabello mal peinado e iría muy seguido a convenciones de comics mientras escucha como la gente se burla de él en la calle; Nic Cage y Tim Burton se ríen con fuerza de esta versión de Clark Kent cuyo propósito era ser el verdadero lado “alienígeno”” de Superman. Verdaderamente un enfoque patético que me alegra también nunca viese la luz del día, digo la parte humana de Superman es Clark Kent y el cercenar la conexión entre ellos elimina el verdadero interés del personaje, que no son sus poderes sino que su humanidad a pesar de ser un alienígena. Cómo se nota que esta gente no sabía nada del kriptoniano.


 Kriptón también sería algo muy distinto a lo acostumbrado, la gente ahí vestiría trajes biomecánicos llenos de tubos y cables ya que a Burton le parecía ridículo el diseño que le dio Richard Donner con ese tono aluminio y se burlaba de ellos (a mi me parecen los diseños de Burton la burla, pero que se yo). El planeta en si también sería diferente, un conjunto de placas tectónicas en perpetuo movimiento con estructuras esféricas y más cosas bien retorcidas propias más de una pesadilla oscura de algo como Hellraiser que de una sociedad idílica de científicos en la ciencia ficción. Sinceramente el Kriptón que ellos proponen es un mundo de pesadilla que verías en el canal sci-fi o en las películas slasher de los 80 donde muestran el infierno… no es un lugar que creas podría albergar una sociedad científica, sino que más bien el hogar del Hombre Topo de los 4 Fantásticos.
La nave de Brainiac estaría llena de monstruos, cientos de criaturas para el zoológico espacial fueron diseñadas por Kerry Gammill y otros diseñadores, pero el método en cómo Jon Peters los elegía los hacía sentir totalmente insultados, y si yo estuviese en su lugar sentiría lo mismo. Peters llevaba a sus hijos pequeños a que vieran los diseños de los monstruos ignorando totalmente a todos los trabajadores del lugar y eligiendo que dibujos les parecían lindos para usarse. Este hombre me parece más y más fuera de si… me parece que a este hombre lo contrató Darkseid desde Apokolips para que jodiese lo más posible al hombre de Acero


Otro elemento que es el único el UNICO que rescato hasta lo que va del documental y que me hubiese gustado ver en Man of Steel con Cavill, es una idea que se le ocurrió a Tim Burton. Un robot llamado Kay que sería el compañero de Kal-El desde bebe y que lo acompañase toda su vida, siendo una especie de oso de peluche alien al comienzo y creciendo en conjunto con el kriptoniano protegiéndolo siempre como una máquina que es potenciada por el amor y voluntad de Jor-El. Por lo mismo cuando Supes es “asesinado” por Doomsday en el film, Kay se transforma en el traje de regeneración que le salva sacrificándose a sí mismo. La idea de Kay es fantástica, le entrega un sentido emocional diferente, construye más mitología kriptoniana sobre como funciona esta sociedad, Superman tiene un apoyo para no sentirse tan alien y tan solo, etc… ojalá que este concepto se hubiese aplicado en Man of Steel



En cuanto a los villanos, Brainiac habría sido solo una cabeza verde con un enorme cerebro en una pecera con una capa negra y su cuerpo era como los de Mars Attack pero más arácnido, y en uno de los guiones – no se especifica cuál de los 3 – Brainiac y Lex Luthor se fusionan en “LEXIAC”, algo como lo que vimos en la Liga de la Justicia animada, pero los concept art de esta versión no es la armadura biotecnológica sino que son más cercanos a la cara de Voldemort en la cabeza del Profesor Quirrel en “Harry Potter y la Piedra Filosofal”. Además, Brainiac lucharía a muerte con ¡DOS OSOS POLARES! porque a Peters los osos le parecían lo suficientemente poderosos como para hacerle frente al villano… ugh. Al final en el guión esto se tradujo a que uno de los osos era freído con un rayo y el otro huía a toda velocidad. En serio ¿Qué diablos se fumó este tipo cuando estaba dando ideas para el film?


Y a Doomsday se le imaginó de cientos de formas, como un monstruo que podría ser partido en dos y de sus mitades surgían dos versiones más pequeñas y se re-fusionaban; otra donde era una especie de Goro de Mortal Kombat mezclado con The Thing de los 4 fantásticos que tenía un núcleo de energía en el pecho; y la tercera ideada por Burton que proponía que  fuese una criatura completamente cubierta de rostros humanos y alienígenas, como si el monstruo fuese creado por el zoo de Brainiac o algo así, y que durante su lucha contra Superman los rostros tomasen la cara de Lois Lane, Perry White, Jimmy Olsen o sus padres, lo que haría la lucha aterradora y muy extraña para él. Lo que me gustaría ver, aunque no bajo el nombre de Doomsday, porque da mucho jugo en cuanto a desarrollo emocional, conflicto emocional y más, pero la máquina de matar kriptoniana es algo demasiado diferente a dicho concepto. Ojalá esta idea se reciclaje en algún momento.



Y después de la resurrección del personaje el enemigo final es… ugh, una araña gigante. ¿Quién dio la idea? Pues Peters por supuesto, Kevin Smith le puso de nombre “Bestia Thanagariana Emboscadora” para que no sonara tan ridículo como “Superman vs una araña” y esto es porque para Peters las arañas eran los seres más peligrosos de la naturaleza y una gigante daría mucho miedo…  el tipo creía que la lucha de Superman contra esta bestia emboscadora sería fenomenal, pero créanme que yo no comparto su entusiasmo. Esta es otra idea que me alegro se quedase en desuso… para los films del kriptoniano claro, porque Jon Peter logró meter la maldita araña gigante en la película “Wild Wild West” como enemiga final de Will Smith y Kevin Kline, una versión “cómica” de la que tenían pensada para “Superman Lives” aunque igual de ridícula.
Todo bien, hasta que WB comenzó a perder dinero tras muchos fallos en el cine, y se trajo un 3er guionista para revisar el proyecto ascasos días de filmar y recién ahí se hablaron de presupuestos y se comenzó a hacer recortes ya que el libreto tenía un costo de más de 300 millones de dólares en esa época y con todos los fracasos en taquilla no se arriesgarían con tanto dinero en algo de superhéroes, digo ¿cuándo se pondrán esas películas de moda? ¿Cierto? Pff… no es como si algun día salieran hasta en la sopa. Y por eso todo el dinero de Superman Lives se fue a Wild Wild West… ustedes si que son unos visionarios de oro, gente de Warner Bros… al menos pudieron meter la araña gigante. 






3) OPINIÓN SOBRE LA PELÍCULA CANCELADA Y EL DOCUMENTAL SOBRE LA MISMA


En general, el docu “La muerte de Superman Lives: ¿Qué pasó?” vale bien la pena ver para los fans del cine que les interese los temas de procesos fílmicos, los fans de los comics, en especial de Superman y claro, los que sean fans de ambas cosas. El documental deja claro “Superman Lives” habría sido algo muy diferente, algo extraño que estaba tomando muchos riesgos con Superman. ¿Habría funcionado? Quién sabe. Es fácil imaginar la película final siendo un desastre, pero también podría haber sido algo interesante de experimentar. De cualquier manera, sin embargo, está claro las muchas personas involucradas estaban dando todo de sí mismas en esta.

Sí, es decepcionante que Nicolas Cage, quien habría protagonizado Superman Lives, es la única persona notable involucrada con la abortada película que se negó a participar en el documental y no se entrevistó. Sin embargo, Schnepp compensa esto a través del material de la entrevista acerca de Cage en un par de fragmentos de videos viejos donde Cage discute el proyecto con Burton y, sobre todo, los videos grabados durante las pruebas de trajes que el actor hizo con Burton y Atwood a finales de los años 90. 

Estas grabaciones son hermosas joyas perdidas, que muestran a un Nicolas Cage sin vigilancia probando diversas encarnaciones del traje que ya que se estaba desarrollando, y momentos espontáneos donde él y Burton discuten aspectos de Superman, Clark Kent y lo que estos alter egos representan. Demostrando que pesar de que Burton tenga poco y nada de idea de quien se supone debe ser Clark Kent con una idea más estúpida que la del monologo al final de Kill Bill vol. 2, Cage si conocía algo al personaje.

Lo que puedo imaginarme es que el estreno de este film hubiese cambiado no sé si el panorama de películas basadas en comics actual debido a la escasa posibilidad de que el film fuese un real éxito comercial por el contexto cinéfilo que se vivía a final de los 90, aunque pudo ser algo como X-Men 1 y dar vida a un universo cinemático DC, quien sabe. Al menos quedaría claro que el panorama sobre Superman hubiese cambiado si o si.
  
Quién sabe qué hubiesen opinado los espectadores sobre Nicolas Cage en el rol de Superman, ¿tendríamos a Kal-El haciendo algunos de los episodios psicóticos que casi siempre aparecen en los films de Nic Cage? ¿Qué hubiera pasado si las ideas demenciales de Jon Peters hubieran llegado a la pantalla y viésemos a Brainiac contra osos polares y al kriptoniano contra ninjas y arañas gigantes? Sin duda la generación de los 90 hubiese marcado el regreso de un muy diferente Hombre de Acero para los niños de ese entonces, o hubiese significado el hundimiento de Warner Bros como productora y con ella el hundimiento de Superman en el cine.

El documental nos deja con esas preguntas y las posibilidades, tal vez un universo cinemático DC en los noventas, que entregase una genial relación entre Superman y el robot Kay y un Doomsday lleno de rostros en su cuerpo que hubiesen traducido estos elementos dentro del mundo del comic; tal vez una película del nivel de apestocidad de Batman & Robin gracias a las ideas disparatadas de Jon Peters, quien dicho sea de paso es la persona más interesante en todo el documental y aún no me explico cómo diablos llegó al puesto donde está con este tipo de conceptos en su mente.
  
Schnepp es muy consciente del desprecio sobre el material no visto que muchos tienen hacia “Superman Lives”. De hecho, comienza el documental con una historia acerca de cómo Bryan Singer tenía una foto de Cage durante una de sus pruebas de vestuario que usaría como un ejemplo de lo que no se debe hacer al realizar “Superman Returns”. “La muerte de Superman Lives: ¿Qué pasó?” se siente como un muy fuerte refutación a ese punto de vista, lo que demuestra que sí, esto habría sido una película muy extraña de Superman, pero también podría haber sido un fascinante.

Lo que si no puedo negar es que al menos a mi no me hubiese gustado para nada la versión que tenían planeada y el poco conocimiento que la gente a cargo tenía del personaje, tal vez al punto de que este Superman no sería Superman, salta en vez de volar, su capa sería un arma, lo mismo el emblema, un Clark Kent lastimosamente mal representado y rallando en el estereotipo insultante, y con Nicolas Cage en el rol… les apuesto 10000 dólares apokolitanos que nadie hubiese visto a Superman en pantalla sino que solo a Cage disfrazado haciendo cosas a pesar de lo extrañamente bien que luce en las fotos finalizadas de prueba de traje. 
  

En este caso yo estoy feliz que el film haya muerto antes de nacer, supongo que otros de ustedes se quedaron con muchísimas ganas de ver lo que pudo ser, pero si incluso al terminar de ver el documental terminan agradecidos de que se haya cancelado este proyecto, las personalidades envueltas en las entrevistas y la historia que cuentan valen la pena y ofrecen un gran conocimiento de la lucha que puede surgir cuando tantas personas tratan de trabajar juntos para lograr un película de esta envergadura. Como documental simplemente esto es una gran oportunidad para entender mejor el contexto, y como no, poder explorar un poco más sobre este “Santo Grial” de las películas comiqueras. 


 8/10




Reseña Comic: Superboy Legion



SUPERBOY: LEGIÓN

Editorial: DC Comic
Año de Publicación: 2001
Guionista: Mark Farmer
Dibujante: Alan Davis
Entintador: Mark Farmer
Colorista: Richard Horie, Tanya Horie
Reseña: Ñoño Cool

La miniserie “El Clavo” tiene la distinción de estar entre los mejores Elseworlds de DC Comics (colección que sigo revisando por mis más de 100 reseñas en la página) donde Alan Davis y Mark Farmer hicieron homenaje a toda la era de plata del comic que ellos habían disfrutado de niños, explorando una aventura con el equipo de superhéroes más emblemático de DC; la que fue un enorme éxito. Por esto 3 años después toman otro de los equipos más populares de la mítica época de plata (pero que en estos últimos 10 años han tenido una presencia prácticamente cada vez más nula): La Legión de los Superhéroes.

El equipo nace en Adventure Comics #247 en inicios de 1958, donde 3 adolescentes del siglo XXX viajan al pasado a conocer a Superboy (en esta época del comic Clark Kent fue Superboy antes de ser Superman, nada de clones mezclados con genes Luthor, eso vendría mucho más tarde) para decirle la gran inspiración que fue para ellos -Saturn Girl, Cosmic Boy y Lightning Lad – en volverse héroes y formar su propio equipo que combate contra el crimen, y por esto lo llevan al futuro con ellos para ver si todo lo que se dice de él era cierto. Estando allá lo someten a variadas pruebas y desafíos y una vez los supera es admitido como miembro activo de la Legión antes de regresarlo a su tiempo.

Los personajes siguieron haciendo apariciones en los comics de Superboy y más y más miembros se iban presentando, gracias a esto su popularidad creció enormemente compartiendo páginas en los números de Action Comics como historias secundarias y en el 62 ya tuvieron colección propia bajo el nombre de “Superboy in Tales of Legion of Super-heroes” y posteriormente solo “Legion of Super-heroes” ya sin depender del azuloso en el título para vender, aunque seguía siendo miembro.

Pasaron los años y ya teníamos más de 30 Legionarios diferentes durante la Silver Age, pero posterior a esos años su presencia fue decayendo, siendo ya en el año 2008 donde harían su última aparición de peso, y en el 2011 donde se intentaría rescatarlos con 2 colecciones diferentes en los New 52 con ventas paupérrimas que no les harían levantar cabeza hasta el día de hoy. Por eso Davis y Farmer le rinden un gran homenaje a esa Legion de la Era de Plata enfocándose en el espíritu juvenil de aventura tan popular en esos años.

Y así fue creada “Superboy: Legión”, que al igual que “El Clavo” tiene un giro muy simple de los acontecimientos para poder crear un nuevo contexto. Krypton explota, pero la nave en la que viajaba Kal-El como un infante se queda congelada en el espacio por nada menos que un milenio, y llega a la Tierra en pleno siglo XXX, donde es encontrado por un empresario multimillonario llamado RJ. Brande. Los héroes como la Liga de la Justicia, los Jóvenes Titanes y demás han estado extintos por muchos siglos después de cierto evento catastrófico y sirven de inspiración para que Kal sueñe con ser un superhéroe como los que alguna vez caminaron sobre el planeta.

Pasan los años y Kal ya es Superboy, quien usa a pleno sus súper poderes para explorar el planeta y el espacio profundo, sacando de quicio a su padre adoptivo, pero sobre todo a la muy autoritaria Policía Científica quienes no aprueban ni un poco la manera en como usa sus habilidades tan descuidadamente. Por esto Kal huye del planeta y se encuentra con un Green Lantern, y esto le da la idea de armas su propio equipo de héroes intergalácticos para ayudar donde sea necesario.

Los elegidos son todos miembros cerca de su misma edad y situación, adolescentes con habilidades únicas. Saturn Girl y Cosmic Boy serán junto al joven kiptoniano los fundadores de la Legión de Superhéroes y luego los 3 en una serie de viñetas que recuerdan la primera aparición del grupo a finales de los 50s, comienzan a realizar pruebas para admitir nuevos miembros, desfilando una gran serie de personajes conocidos.

La primera misión del grupo es destruir un asteroide que va derecho en colisión destructiva al planeta Rimbor, y una vez sorteado ese peligro se le sumarán nuevos miembros como el icónico coluano Brainiac-5, quien jugará un rol muy prioritario en los acontecimientos por venir, ya que llama la atención de un grupo de super villanos que probarán ser un peligro demasiado grande para que la aún inmadura Legión pueda hacerles frente.

Este Elseworld además fue publicado en uno de los principales puntos de debacle de la Legión editorialmente hablando, cuando muchos de sus miembros ya no eran siquiera parte de la continuidad oficial DC, sus colecciones fueron canceladas una tras otra y ya nadie les hacía mucho caso. Por esto mismo el que los autores los eligieran como los protagonistas de la historia fue una gran alegría para cualquier fan de Superman y obviamente de la Legión. Logrando darles un reimpulso de popularidad momentánea, que tristemente no consiguió mucho como podemos apreciar en la serie animada “Legión de Superheroes” que solo duró 2 temporadas por poca audiencia.

 Ahora, más allá del impacto fuera de las páginas de la obra ¿Qué tal es como tebeo en sí? Pues Mark Farmer crea un guión totalmente respetuoso con el material original y que nos entrega una visión de un Superboy que creció en un mundo donde 1) no necesita esconder sus poderes, por lo que está totalmente al aire libre con ellos y sin miedo, y 2) sin la responsabilidad de usarlos para algo bueno gracias a la eficiente pero ruda Policía Científica, por lo que si bien sueña con ser un héroe no sabe lo que el peso de ese manto significa y debe aprenderlo a la mala. Puede que tenga las habilidades de un dios, y pueda juntar a un grupo de héroes, pero eso está muy lejos de significar que es responsable y sabe coordinarlos ante el peligro que serán los Cinco Fatales.

Mark Farmer logra perfectamente el integrar a Kal-El en el futuro del DCU, desde su llegada a la Tierra del siglo XXX, mostrarnos los cambios que esto provoca y todas las repercusiones de estos, una batalla campal e incluso las consecuencias de la misma en 100 y tantas páginas con casi 30 personajes dando vuelta, demostrando que tiene una capacidad para la síntesis narrativa magnífica.

El resultado es una historia muy dinámica, rápida y llena de emoción y espíritu juvenil. Ninguna página ni viñeta es desperdiciada, todas contienen algo relevante a la narrativa o desarrollo de personajes, cada uno de los 30 y tantos miembros posee un momento de brillar en un conjunto muy directo que recuerda mucho al tipo de comics que veíamos en la Silver Age, nada muy profundo pero si entretenido, perfecto y accesible tanto para los lectores de hoy o para los que viviesen en los años 60. No es para nada un trabajo sencillo pero Farmer se las apaña para hacerlo lucir muy sencillo.

En el dibujo Alan Davis, uno de esos nombres que todo fan del comic debiese conocer a estas alturas, nos entrega un trazo ligero, elegante, dinámico y expresivo, que resalta el estilo adolescente de los personajes y la narrativa, perfectamente haciendo juego con el tono del guión. Todos los personajes se diferencian perfectamente uno de otros, la acción es fantástica y espectacular, nada de splash pages, solo una narrativa visual muy trabajada para enfocarse en los combates. Davis es y será siempre un maestro del comic.

“Superboy: Legión” es una genialidad de obra autocontenida muy accesible, que puedes leer sin saber quién es quién o tener 0% de conocimiento previo, con un dibujo de lujo y una narrativa ágil que se complementan perfectamente entre muchos homenajes a todos los Legionarios a lo largo de los años. Es un comic de superhéroes con todos sus elementos, uno de los mejores ejemplos de cómo construir uno: héroes que deben resolver un conflicto y aprender de ello moral y físicamente para avanzar y evolucionar como personaje mientras salvan el universo de el megalómano superpoderoso de turno y sus planes malignos. Creo que si quieren conocer la Legión de Superhéroes este comic es un perfecto punto de partida ¿cuántas veces puedes decir eso de un Elseworld?, pero es verdad, una historia alterna es un gran comienzo para conocer a este grupo de defensores futuristas.

No está al nivel de “El Clavo”, pero es un comic que cumple perfectamente lo que se plantea, es entretenido, accesible, dinámico, simple y muy rico en los elementos básicos del tebeo de capa y poderes, yo lo encontré altamente disfrutable y lo recomiendo con ganas.

8/10 


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