Reseña Manga: Monster



MONSTER (モンスター)

Editorial: Big Comic Spirits
Fecha de Publicación: 1994 – 2001
Guionista: Naoki Urasawa
Dibujante: Naoki Urasawa
Volúmenes: 36
Reseña: Ñoño Cool

«El monstruo sin nombre»

Hace mucho, mucho tiempo, en un país muy lejano vivía un monstruo sin nombre. El monstruo deseaba un nombre. Y lo deseaba tanto que apenas podía pensar en nada más. Un día el monstruo emprendió un viaje para buscar el nombre que tanto anhelaba. Pero el mundo es demasiado grande. Y por ello el monstruo decidió dividirse en dos. Una mitad se fue al este. Y la otra, hacia el oeste.

La mitad del monstruo que había ido al este encontró pronto una aldea

– Oye herrero, quiero que me des tu nombre -lanzó el monstruo

– ¿Pero qué tonterías dices? No pienso dártelo -replicó el herrero, incrédulo.

– Si me das tu nombre, me introduciré en tu cuerpo y te otorgaré toda la fuerza que te falta -prometió el monstruo.

– ¿En serio? Bueno, pues si de veras vas a hacerme más fuerte, adelante es tuyo– respondió el herrero.

Entonces el monstruo se introdujo en el cuerpo del hombre.

A partir de ese momento el monstruo se convirtió en Otto el herrero.


Otto era el más fuerte de la aldea, sin embargo un día…

– Mírame… mírame… ¡Mira qué grande se ha hecho el monstruo en mi interior!
Grush, grush, ñam, ñam, gruupmf, grumpf..¡plaf!

El monstruo que tenía mucha hambre se había ido comiendo al herrero hasta acabar con él. Y así fue cómo se quedó otra vez sin nombre.

Al poco tiempo, lo intentó con un zapatero llamado Hans.
Grush, grush, ñam, ñam, gruupmf, grumpf..¡plaf!
Al comérselo volvió a quedarse sin nombre.

Lo intentó también con un cazador llamado Thomas, pero…
Grush, grush, ñam, ñam, gruupmf, grumpf..¡plaf!
Como era de esperar se lo comió también y volvió a quedarse sin nombre.


Al final, el monstruo decidió buscar un nombre en el interior del castillo.


– Si me das tu nombre, pequeño, yo te haré tan fuerte como un roble -le dijo el monstruo al príncipe del castillo.


– Si logras que me recupere y me hace un niño sano y fuerte, mi nombre es tuyo-replicó el príncipe enfermo.


Y así fue cómo el monstruo se introdujo en el interior del príncipe.
Y éste se curó milagrosamente.


El Rey estaba de lo más contento.
– ¡El príncipe se ha curado! ¡El príncipe se ha curado! -se regocijaron todos.

Al monstruo le gustó el nombre del príncipe. Y la vida en el castillo le gustó también. Por eso, y aunque se moría de hambre, hizo esfuerzos por contenerse.


Un día tras otro, cuando le acechaba el hambre se contenía y esperaba paciente a que pasara.
Pero un día el hambre era tan acuciante que el monstruo no pudo más…


– Mírame… mírame… ¡Mira qué grande se ha hecho el monstruo en mi interior!
Y entonces se comió al Rey y a toda la corte de una sentada.
Grush, grush, ñam, ñam, gruupmf, grumpf…¡plaf!

Un día el principito huérfano se encontró a la mitad del monstruo que había ido hacia el oeste.
– Ya tengo nombre. ¿Sabes? Un nombre muy bonito.


El monstruo que había ido hacia el oeste le dijo:
– ¿Para qué sirve un nombre? Sin nombre también se puede ser feliz. Mírame a mí, soy un monstruo sin nombre.


Y entonces el príncipe se comió al monstruo del oeste. Pero se sintió muy, muy triste:
Cuando por fin había conseguido un nombre…
– …no queda nadie que me llame para recordármelo… con lo bonito que es mi nombre… Johan…


Franz Bonaparta.

 Monster. No importa cuántos párrafos le dedique a este manga, se que al final serán pocos y me quedaré con cosas en el tintero. Es una obra de una calidad tan increíble que supera a otras obras maestras de la industria por lejos, con un guión atrapante, construido con experto manejo de la tensión extrema, muchos giros argumentales que te tomarán por sorpresa, y personajes carismáticos, complejos, misteriosos como pocos. Además el enorme rigor a la hora de hablar de hechos históricos, políticos, geográficos y más, le agrega una nueva dimensión a su narrativa.

El factor decisivo que para mí la vuelve tan grande es que los dilemas psicológicos y morales presentados a lo largo de todo el guión no se traicionan a sí mismos dándonos un final feliz dulzón, pues nuestro mangaka prefiere mantenerse firme a sus planteamientos en vez de doblarlos para que quedemos contentos despidiéndose en cambio una nota tan sombría como necesaria. Esto es lo que transforma a Monster en un clásico de clásicos que no solo el otaku promedio, sino que el lector que disfrute de contenido inteligente y de calidad debería leer al menos una vez en su vida.

Creado por el maestro del manga Naoki Urasawa, Monster es un seinen que entra en el género de suspenso, nos cuenta la historia de cómo un doctor con un estricto e irrompible código de ética y moral ayuda sin querer a dar rienda suelta al más cautivador y temible de todos los monstruos hecho hombre, y su cruzada por detenerlo.

Nuestro protagonista es el doctor japonés Kenzou Tenma, quien a pesar de ser muy joven, se ha transformado en uno de los neurocirujanos del país, y el más notorio en el Hospital Memorial Eisler de Düsseldorf, Alemania. Este centro de salud es tan famoso y respetado que todas las figuras importantes ya sean de la música, cine, política, etc se trasladan ahí para ser atendidos. Todo brilla para Tenma, e incluso tiene un futuro matrimonio planeado con Eva Heinemann, la hija de su jefe y director del hospital.

Kenzou ama su lugar de trabajo y lo considera un sitio de perfecta integridad, hasta que un día un turco de clase baja que se accidentó en su trabajo llega a la sección de urgencias por una lesión en su cabeza, y necesita operación inmediata; Tenma quiere encargarse de eso, pero Heinemann le dice que no, porque hay un paciente millonario famoso – cantante de Ópera – que necesita ser tratado de inmediato por el mejor neurocirujano del lugar, a pesar de haber llegado después del hombre turco; y todo esto porque su recuperación le dará más fama al centro hospitalario.

Atendido por manos menos capaces, el inmigrante no sobrevive a la intervención y su viuda llorando le reclama al doctor que si él lo hubiese atendido seguiría vivo. Esto hace cuestionarse todo lo que creía de sus compañeros de trabajo y jefe directo, y su propia moral por hacerles caso en primer lugar. Gracias a estas dudas, cuando se encuentra con un niño con un balazo en la cabeza está agonizando y le ordenan que atienda a un político influyente que llegó después en su lugar, Tenma esta vez desobedece y atiende al chico, llamado Johan.

Gracias a su privilegiado talento él sobrevive ante toda expectativa, pero el político no tiene tal suerte y fallece, dándole un golpe gigantesco al prestigio del hospital. El director furioso lo pone en el puesto más bajo posible sin posibilidades de ascender como castigo, y su futura esposa Eva le abandona burlándose de él inmediatamente de aquello. Lleno de una ira nada típica en él, ya que cree haber hecho lo correcto y que su tragedia viene de manera gratuita, va hacia la habitación donde duerme el niño al que ha salvado y como nadie le oye, ruega para que la gente que le hizo esto muera.

¿Cómo podrían ir peor las cosas para nuestro protagonista? Pues sus plegarias son escuchadas y Heinemann aparece asesinado en su oficina. El doctor pronto se dará cuenta de que el niño al que ha salvado era un frío asesino sin conciencia y con su propia sombría mirada del mundo, y había ido a parar al hospital porque su propia hermana gemela le había disparado en el cráneo para detenerlo. Sumando dos más dos, también llega a la conclusión de que él fue quien mató a su jefe por petición suya.

Pasan nueve años. Tenma se encuentra nuevamente en un buen lugar profesionalmente hablando, la hermana de Johan ha crecido y vive bajo una nueva identidad, pero el asesino ahora crecido parece presentar una obsesión por ella y fuerza su reencuentro, mientras tanto comienza a matar gente a diestra y siniestra sin dejar ninguna sombra de rastro. La policía recordando las muertes del pasado y asociándolas con estas, creen que es Kenzou el que está detrás de todo y le dan caza sin tregua.

Como prófugo de la ley, quienes piensan que es víctima de una doble personalidad que lo hace matar sin que conscientemente lo sepa, Tenma deberá correr por el mundo buscando al verdadero responsable y detenerlo, pues se siente extremadamente culpable de haber auxiliado a un monstruo quien tanto daño hace. En el camino irá ejerciendo de médico clandestino para salvar a todos los que se encuentren en necesidad, porque su Juramento Hipocrático se lo impone… pero es ese mismo juramento el que deberá romper si quiere ponerle un alto definitivo al peligroso ser al que hace 9 años salvo de la muerte. ¿Será capaz este doctor de acabar con una vida cuando toda la suya se las ha pasado salvándoles?

 Así comienza la obra de Urasawa, una obra maestra en toda regla y por donde se le mire. Tal como cualquier de los mangas que irá sacando más adelante, contiene una retroalimentación en cuanto a las influencias y ciertos elementos que se repiten de uno a otro; así como 20th Century Boys bebió de las temáticas de Monster y tomaba prestado algunos planos visuales y escenas; la misma Monster contiene rastros de Master Keaton. Esto se puede ver en los parecidos físicos entre sus protagonistas, así como que ambos son trotamundos por Europa – aunque claro, uno es un investigador y el otro un prófugo de la ley – y en el uso de la misma realidad sociopolítica, situada en el Viejo Continente a finales de plena Guerra Fría y con las Alemanias divididas.

Es el interés de Urasawa por la cultura y sociedad europea de occidente lo que nos pone en Alemania Occidental, específicamente en el Düsseldorf de los 80, cerca del Rin, donde el fantasma de Hitler y sus nazis seguían cazando a cada uno de los escenarios por los que nos moveremos. La realidad histórica de esa época está plasmada de maravilla; en especial la República Federal de Alemania (RFA) como la mitad rica, industrializada y llena de prestigio a las que todos los exiliados de la pobre, subdesarrollada y demacrada República Democrática de Alemania (RDA) que conseguían huir de los soviéticos y el comunismo aspiraban a llegar.

La manera en como retratan como se vivía en la RFA desde la polémica que sucedió cuando Bonn pasó a ser capital del país en vez de la poderosa y próspera Fránkfort absorbiendo el poder político y como el poder económico se concentró en la capital regional Düsseldorf transformándola en la ciudad más importante del país; hasta la masiva llegada de inmigrantes de Yugoslavia y Checoslovaquia que sufrían regímenes sanguinarios por parte de los soviéticos y la petición de la RFA de traer mano de obra extranjera de países como Grecia, España, Portugal y por supuesto Japón – así es como Tenma llega a ser un nipón de sangre pura residente en Europa – para mejorar el rendimiento de sus empresas; e incluso el verdadero éxodo desde Turquía hacia Alemania, su ex aliado en la primera Guerra Mundial cuando aún eran el Imperio Otomano, formando verdaderos guetos turcos a lo largo de todo el país volviéndose hasta el día de hoy una de las etnias a integrar en la nación dado el racismo del que aún son víctimas y más aún en la época donde está ambientado el manga; todo eso está plasmado en nuestra historia para entregarle un enorme y cuidadísimo sentido de realismo y crudeza, que no deja de ser un aspecto fascinante de mencionar porque el construir algo así de históricamente detallado es un logro en si mismo al igual que el desarrollo del guión, personajes y dibujo.

Tenma se mueve por todo este contexto histórico, y como fugitivo se ve forzado a moverse por los guetos y barrios bajos del país. Aquí es donde vemos como muchas mujeres turcas incluso con hijos a cuestas eran forzadas a volverse prostitutas de segunda clase para poder comer, y las vírgenes eran víctima de tráfico de blancas; mientras que las mujeres checoslovacas eran prostitutas de primera clase, mercancía de lujo, por su parecido físico con las alemanas, cosa que en un país tan racista como lo eran en esa época, importaba mucho. Kenzou tendrá que aprovechar todo el contexto sociopolítico anteriormente mencionado – condiciones, no personas, Tenma jamás haría eso con un ser humano – y aprender a utilizarlas a su favor para escapar de la justicia antes de lograr su meta, haciéndose amigo de los necesitados y ganando aliados en el camino.

Desde el comienzo la historia es cautivadora, inquietante y misteriosa, con una narrativa que combina aventuras autoconclusivas con un guión continuado que ata cada situación de alguna forma. Cada palabra, cada viñeta y cada página se mantienen de una altísima calidad que nunca baja. Los diálogos son siempre memorables, las situaciones interesantes, los personajes atrayentes y jamás suelta esa tensión en el aire hasta la viñeta final del último volumen.

Tenma es un hombre que no sabe si está buscando venganza o justicia, un alma pura y amable, que vive por los demás y jamás puede hacer la vista gorda ante una tragedia lucha contra sus propios principios éticos para acabar con el criminal más carismático y brillante que haya pisado la Tierra. Vemos lo arraigado que tiene el Juramento Hipocrático en su mente y como este lo guía por Alemania siendo un salvador clandestino de vidas que solo busca acabar con una ¿será capaz de traicionar todo lo que cree por un bien mayor? Ese es su eterno dilema, y no está seguro de poder lograrlo.

Se embarca en una cacería donde ambos Kenzou y Johan son presa y cazador, y para poder tener una oportunidad de ganar necesitará reconstruir el pasado de alguien que aparentemente no lo posee. Y antes de poder culminar su meta, en el viaje deberá solucionar ciertos aspectos de su vida, lidiar con nuevas y diferentes amenazas, ganar aliados y más cosas alejadas de la trama principal que en vez de entorpecerla o detenerla, solo la enriquecen más y más.

Johan como villano es malditamente aterrador. Con una y una personalidad cautivadora al máximo que atrapa a sus víctimas en una red de araña y los seca, sacándoles hasta el más mínimo detalle de sus vidas, y así cuando los asesine todo el escenario llegue al nivel de perfección necesaria para que todo parezca natural, obra de la casualidad o de alguien totalmente distinto a él alejándose de toda sospecha. Y hablando de terceros, Johan busca los puntos débiles de la mente de otros asesinos seriales peligrosos en extremo para que ellos maten por él, su mayor arma es su sonrisa y sus palabras el puñal con el que acaba con el mundo.

Nuestro exquisito villano posee otros factores que le vuelven aún más interesante, como una belleza física tan ambigua como fascinante que hará que se vista de mujer en más de una ocasión para lograr sus metas al entrar en la vida de quien sea por los medios que sean; y claro, su mente brillantemente demencial, y que se escapa de nuestra lógica pues funciona con la propia. Además, su obsesión enfermiza con su hermana gemela será el misterio más alarmante y perturbador de todos, pues el motivo de esto es tan simple y a la vez tan complejo que fue la pieza clave para que Johan se transformara en lo que es hoy en día.

 Otro punto histórico aquí servirá para la base de nuestros villanos secundarios, quienes quieren a Johan para ser el nuevo Hitler 2.0 y pretenden usarlo a su favor. Me refiero obviamente a los nazis, quienes vivían ocultos entre el pueblo alemán por ese entonces luego de su derrota a manos de la Unión Soviética.

Aquí los presentan como los herederos de Airbert “Doctor Muerte” Heim en cuanto a pensamiento, pues ellos en medio del Holocausto iniciaron grotescos experimentos que incluían vivisecciones, tortura de gemelos, etc para tener base científica sobre la cual justificar eutanasia, esterilización, asesinato de enfermos mentales, y poner la eugenesia aria como base de su mundo. Además de Goebbles, pues nuestros nazis en este manga amplían estos parámetros y le suman experimentos parapsicológicos de control mental como Goebbles planeaba, crear un lugar donde un solo líder gobierne a masas obedientes en un mundo de perfectos hombre arios.

Y serán estos últimos los que darán la base del argumento de Monster para justificar como Johan llegó a ser quien es, ese “superhombre” psicológicamente hablando, superior a Hitler en cuanto a manipulación y carisma que tanto buscaban. Pero lo que no saben es que él es quien los está manipulando a ellos como a otras decenas de personas, pues Johan no quiere controlar la humanidad, sin destruirla.

Entre nuestros héroes también tendremos otro hombre, el inspector Runge de la policía de Alemania. Es un hombre dueño de una inteligencia sin igual y atención por los detalles que rivaliza a cualquier detective de la ficción, y tan apegado a su trabajo que se ha vuelto el único aspecto de su vida al que le dedica tiempo, por esto su hija no le habla y su esposa lo abandona por otro hombre. Pero no está del lado de nuestro querido doctor, pues cree que Tenma es un enfermo mental con doble personalidad, y su lado asesino es el que se conoce como Johan; por esto ha vuelto la cruzada de su vida atrapar a quien cree capaz de tales atrocidades.

Gracias a esto, solo Tenma y los escasos aliados que irá haciendo en el camino, junto con el mismo lector seremos quienes sepan la verdad, que Johan es una persona diferente a Kenzou, ya que el resto del mundo considera a este íntegro hombre como el criminal más buscado del país y toda Europa. Tal como en muchas historias de gente inocente siendo prófugos de la ley como Harrison Ford en la película “El Fugitivo” el espectador se verá lleno de impotencia a la hora de ayudar a nuestro protagonista y como se le achacan más y más cosas encima sin que podamos gritar la verdad, pues nuestras alegaciones caen en oídos sordos. Es esta sensación de no poder ayudar lo que hace crecer más la tensión, y por ende el nivel de apego con la trama.

Las presencias femeninas en la historia igual son puntos de interés, en especial desde que punto parten y como van evolucionando en el camino. Nina – la hermana de Johan – es una chica siempre optimista, llena de bondad, ingenuidad y fe en el futuro, pero con todo lo que le va pasando tendrá que aprender cómo defenderse, disparar un arma de fuego o incluso entrar en el juego de la seducción si quiere sobrevivir, aunque claro, mantiene firme todos sus valores y características básicas con las que comienza el viaje, no importa lo mal que vayan las cosas, ella no se corrompe.

Eva Heinemann por otro lado es todo lo contrario, comienza como una dama de la alta sociedad que mira a todos los pobres como criaturas inferiores y su orgullo, dignidad y dinero la definen como persona; cuando las cosas comienzan a ir mal para ella y pierde su riqueza, y ahí se da cuenta que Tenma fue el único hombre al que ella amó y lo quiere de vuelta. A medida que se hunde más y más en su propia miseria económica y como persona va acostándose con todos los hombres que pueda por algo de contacto humano, dinero o una victima a manipular, y se vuelve una adicta al trago. El camino que ella recorre será uno de lenta autodestrucción y mientras más conoce el rechazo de Kenzou crece más egoísta y quiere vengarse de él y para ellos romperá los límites necesarios y las cosas más horribles a su alcance, aunque desesperadamente lo sigue amando.

 Ambas serán extraños intereses románticos para nuestro protagonista, ya sea porque una lo busca para que caiga con ella al abismo, y la otra como un aliado de las circunstancias, pero no es un triángulo amoroso, pues nada de lo que sucede entre ellos podría interpretarse como amor o siquiera cariño real. Monster es lo suficientemente inteligente para saber que esos clichés de telenovela no van con él, y por esto las emociones presentes siempre son la rabia, culpa y conflictos internos con la propia humanidad de los personajes, quienes irán explorando sus verdaderas naturalezas.

En cuanto al dibujo, este puede ser el mejor trabajo técnico de Urasawa. Con sus magnífico uso de luz y sombra salido de las películas más clásicas en blanco y negro de Orson Wells, un uso de la tinta pocas veces igualado, detalles sublimes, planos que se van del dibujo lineal tradicional, una gran técnica para mostrar las emociones de cada personaje en ella, un impecable diseño en cuanto a la arquitectura de los lugares en lo que nos movemos tan perfecto que pareciese que nos encontramos en ellos junto a Johan y Tenma; incluso hay detalles interesantes como escenas donde todo mundo está lleno de angustia y pena y una suave música proveniente de algun lado rompe este ritmo. Con Moster Urasawa demuestra que es un artista completo en todos los aspectos en lo que a realización de manga se refiere.

Monster es un vistazo dentro de la naturaleza de la humanidad, que habla del el poder del nombre que nos entregan nuestros padres para que podamos ser personas visibles en la sociedad, y nos deja visualizar ambos lados de la moneda, desde los rincones más asquerosos, repulsivos, abominables y oscuros de nuestra esencia, hasta las acciones llenas de abnegación, humildad, compás moral inquebrantable y capacidad de hacer el bien. Y los dos lados son igual de atrayentes, en especial cuando resultan mezclados o enfrentados entre si.

Además, este manga tiene un anime publicado desde el 2004 al 2005 que lo adaptó religiosamente al pie de la letra, al punto de que siempre 4 capítulos del show eran un volumen del manga en cantidad exacta, dándonos 75 capítulos en total. Cada cosa está respetada hasta la obsesión, desde la estructura hasta la reproducción exacta de las escenas, este es una de las ocasiones donde el anime es tan bueno como el manga, y si has visto/leído uno, es casi como si hubieses experimentado ambos.

Posee una calidad de animación altísima, su opening es memorablemente inquietante y el ending es una obra de arte, ya que nos pone trozos del cuento de Franz Bonaparta que avanzan a medida que avanzan los capítulos, acompañados por una melodía desoladora, y que te dará escalofríos. Y como no pude encontrar el anime completo en un idioma integral, lo experimenté en japonés con subtítulos, español ibérico y español de Latinoamérica, y los 3 presentan un gran trabajo en lo suyo… aunque si tuviese que elegir diría: original, latino y finalmente ibérico. Pero es una percepción muy personal y no sé si realmente objetiva.

El final para muchos será tal vez algo desconcertante y les defraude, pero esto era INEVITABLE dado en cómo se comportaban ambas fuerzas opuestas en el campo moral, ambos y especialmente Tenma demuestran lo fieles que son a lo que representan y por ende la cosa no podría terminar en un felices para siempre y si en la nota más sombría posible y necesaria. Yo ya he visto el anime 2 veces y me he leído el manga 1 vez y media, y nunca me canso, sinceramente es una de las obras maestras más magistralmente compuestas en todos los géneros y medios de arte de la industria nipona. No puedo recomendárselos con más fuerza, y créanme que si son fans del buen manga, o del buen contenido en general, esto será una maravilla que atesorarán por siempre.

 10/10


Post:    Monster






Reseña Comic: Nekrodamus



NEKRODAMUS

Editorial: Revista Skorpio
Fecha de Publicación: 1975 – 1994
Guionista: H.G. Oesterheld
Dibujante: Horacio Lalia
Reseña: Ñoño Cool

“Ha llovido y la tierra húmeda del cementerio cede bajo los pies de Gor, el hombrecito deforme. Muñones, carne agusanada y maxilares congelados en un grito eterno son enterrados nuevamente por el contrahecho. Un perro aúlla su hambre de siglos. Una plañidera llora a dos monedas por lágrima. Y en medio de eso, el cuerpo de un príncipe es acompañado por una corte adulona hacia su cripta. Todo le hace pensar a Gor en un inquilino mas, en un cuerpo que deberá limpiar de polvo cotidianamente… y de pronto, un viento helado que atraviesa la cripta quitando el aliento. Y el príncipe que se incorpora y dice ser un demonio… llamado Nekrodamus. Llama a la puerta, caminante, pide permiso para entrar a un mundo infernal, plagado de metáforas y espanto, pero antes ten en cuenta algo… nadie te asegura el regreso.”

Nekrodamus es una famosa serie de historietas enmarcadas en el género de horror-aventura nacidas de la mente de H.G. Oesterheld, quien a pesar de haber fallecido sigue siendo el más grande guionista argentino de comics en toda la historia de ese país, así como uno de los indiscutibles maestros en el mundo del tebeo en general, el mismo autor del mítico “El Eternauta”. Su Nekrodamus fue la última creación que pudo hacer antes de que las fuerzas armadas le tomaran prisionero en un periodo muy complejo en la historia política de la Argentina que no voy a tocar porque 1) no soy de ese país como para tener el contexto completo y poder dar una opinión informada o de peso, y 2) esta es una reseña de comics y eso no viene al caso.

Este comic producción argentina pero estrenada en el mercado Italiano sobre este demonio humanizado goza de ser una de las historietas que más tiempo estuvo publicándose en la revista Skorpio, corriendo desde 1975 a 1994, y fue la que rompió con lo que se esperaba de las cosas que Skorpio lanzase en sus páginas. En los 70’s solo eran historias de acción, ciencia ficción y aventuras más alegres y ligeras las que dominaban la palestra, y ahora llegaba algo puramente de terror. Las macabras situaciones en las que nuestro demoniaco protagonista y otro demonio llamado Gor, cuidador de la cripta mortuoria donde su cuerpo descansa, se ven envueltos están siempre enfocadas a buscar la redención de ambos, mientras combaten el mal en todas las formas.

El que un monstruo fuese nuestro héroe respondía a un fenómeno que pasaba en el género en el despertar de los setenta y que se venía gestando décadas antes. El horror en los años 30 y 40 eran básicamente pulps con científicos locos desfigurados y físicamente aterradores haciendo de las suyas o militares nazis, soviéticos o asiáticos con planes de dominación mundial dado el contexto de la guerras mundiales frescos en la mente; para la llegada de los 50 reaparecieron los monstruos clásicos como hombres lobos, vampiros, momias, zombies, e incluso el ocasional asesino del cuchillo, siempre haciendo hincapié en su fealdad tanto mental como física ya que el miedo al extranjero había pasado y necesitaban otro enfoque.

Para los 70 nuevamente se cansaron de eso ya teníamos monstruos víctimas de la sociedad, que por su crianza se habían vuelto psicópatas asesinos o querían venganza contra el mundo, transformando humanos en criaturas sin humanidad, se buscaba un monstruo no irreal sino que mucho más palpable y por ende que causase más miedo por eso; y por otro lado los que siempre fueron físicamente horrendos como vampiros, demonios y más seres fantásticos, ahora poseían humanidad y tenían deseos, pesares, necesidades y mejor apariencia física. Con la conciencia social de que existen monstruos dentro de nosotros, también comenzó a aparecer la idea de que debe haber destellos de humanidad dentro de los monstruos; y gracias a esto la criatura aterradora y gótica pasó de ser un obstáculo a superar, el villano o un secundario, ahora probaba sus posibilidades de ser el héroe. Aquí es donde cae Nekrodamus.

Una obra que marca un interesante momento en las carreras de ambos autores, pues para el dibujante Horacio Lalia fue lo que impulsó su carrera como artista y le puso en el mapa, mientras que para un ya maduro Oesterheld que rondaba los 60, sería el final de su trayectoria antes de ser secuestrado y asesinado.

Nekro es un personaje que recuerda a la época del romanticismo literario del siglo XIX, luce como un caballero andante, con buena salud, apariencia hermosa y cuidada, además a pesar de ser un demonio se niega a hacerle daño a cualquier inocente, pero liberando toda su sanguinaria furia contra los que considere culpables de algún mal, siendo una especie de antihéroe antes de que estos se pusiesen de moda en el mercado del tebeo norteamericano en la segunda mitad de los años 80. Su cuerpo bello no es su forma física real eso sí, sino que un cadáver de un noble muerto hace muchos años que conserva en las mejores condiciones posibles para mantener la fachada, y su real apariencia es deforme y nauseabunda.

Gor por su parte, es un ser que es deforme y asqueroso de principio a fin, no tiene cuerpo falso que le apañe sino que deja ver su forma tal como es; y es dueño de una repugnancia total tanto física como espiritual, pues también es un nigromante que mata por diversión y goza pervirtiendo a los vivos y los muertos. Esto crea una suerte de dualidad entre ambos, protagonista y ayudante, aunque sus similaritudes son más que sus propias diferencias.

Ambos hombres también tienen una obsesión con las apariencias físicas, ya que Nekro se rodea de cruces a pesar de que le queman para poder fingir que su naturaleza no es demoniaca, y cuando asesinan a seres hermosas les dan tratos especiales como recubrir sus cadáveres de oro o sepultarlos en lugares ilustres por el mero hecho de su físico excepcionalmente lozano; incluso Gor se enamora de una mujer llamada “la princesita” nada más que por su rostro. Para ellos lo superficial importa más que la sustancia, lo que les entrega un sentido de tragedia, porque ambos desean desesperadamente lo que no poseen, y lo ponen por sobre el valor de muchas otras cosas más ya que para ellos la belleza es símbolo de la vida misma.

El tebeo comienza bastante tibio, sinceramente siendo una sombra de lo que en más tarde se convertiría tanto en caracterización de personajes como en tramas, pero cuando toma vuelo lo hace con ganas. Una vez cimentado el universo donde se mueven estos seres, es genial ver interactuar a dos personalidades tan fuertes y definidas como Gor y Nekro en aventuras profundas y difíciles. Nekro es un estratega maestro de lo sobrenatural, casi como un John Constantine, Dr. Strange o Batman mágico, dueño de una frialdad y capacidad de ponerse dos pasos adelante del villano y el lector mismo que siempre sorprenden, se ve invencible a pesar de las cosas que se le pongan encima, y eso es especialmente cierto cuando es acompañado por Gor y Lepra el perro.

La narrativa de todo Nekrodamus es muy y digo MUY diferente y mejor trabajada que muchas de las otras obras latinoamericanas en ese entonces, y posee comentarios sociales bastante fuertes y dobles lecturas que se pueden captar fácilmente y le añaden un sentido de tridimensionalidad a todo el conjunto, aunque si se encuentran políticamente en el lado contrario del espectro, esto puede resultar molesto. Este último elemento era bastante obvio que aparecería ya que cuando Oesterheld guionizaba esta historieta estaba siendo perseguido por los militares por sus ideas diferentes.

Ambos siempre mantienen una brújula moral – algo extraño para un producto protagonizado por demonios – y que sirven de alegorías y metáforas para tocar temáticas como el amor, la codicia, la corrupción, justicia, abuso de poder, concepto de belleza, el perdón, venganza y más. La estructura de cada caso es como los de Sherlock Holmes o cualquier serie procedimental de tv, se les presenta un problema, Nekro lo resuelve y tenemos una lección que aprender a navegar entre lo sórdido de lo humano, son siempre relatos cortos conectados solamente por sus protagonistas y el mal omnipresente. Y los villanos que se pasean por las viñetas son memorables y aterradores, dejando en claro que muchas veces los seres más peligrosos no son los sobrenaturales, sino que los humanos más egoístas y crueles de nosotros. Aunque como excepción, tenemos una serie de demonios relacionados con algunos personajes que huele mucho a Neil Gaiman años antes de que este saliese con su Sandman; pero debo admitir que Neil llevó estos conceptos a MUCHO mejor puerto en los años 80-90.

Los dibujos de Lalia crean atmósferas pesadas, un muy buen juego de luces y sombras, gran trabajo de perspectiva y planos, personajes muy detallados, usando esponjas mojadas para dar la impresión de climas nublados y ambientes con aires corruptos y como no, su icónica viñeta circular por aquí y allá para romper con los esquemas comunes. Ya entrado en el grueso de los números su nivel de detalle y ejecución de todos los elementos pasados mejoran una barbaridad, además de notarse que su lado fuerte son las escenas de tranquilidad, ambientación y diálogo que piden detalles en las expresiones faciales y los fondos; y por esto las secuencias kinéticas de acción no se sienten del mismo nivel.

Luego de que Oesterheld desapareciera y los guionistas fueran y vinieran en la colección durante 5 años más, Laila seguiría superándose a sí mismo, con un trazo menos barroco que antes pero igual de característico. Lo que más me gusta de sus años posteriores es como trabaja los detalles de la arquitectura, crea atmósferas desoladoras y los detalles puestos en cada objeto y personaje a tal nivel que casi salen de las páginas… aunque claro, es un nivel que llegaría después de mucho tiempo.

 Nekrodamus es una historieta llena de conceptos interesantes a explorar, que cambió el género del horror latinoamericano que revisase la naturaleza de lo que hace un monstruo en vez del mismo monstruo en si, además de llevar a las alturas a Laila como uno de los mejores trazos en la Argentina. Sinceramente esta vieja tira sobre cadáveres y mundos góticos es un clásico que debería tener más reconocimiento, no está al nivel del Eternauta del mismo guionista, pero sigue siendo una joya del comic de habla hispana en Latinoamerica.

8.5/10






Reseña Película Animada: Cuando Marnie estuvo ahí



CUANDO MARNIE ESTUVO AHÍ

Fecha de estreno: 19 de Julio 2014 (Japon), Noviembre 2015 (Resto del mundo)
Director: Hiromasa Yonebashi
Guionistas: Hiromasa Yonebashi, Keiko Niwa, Masashi Ando
Productora: Studio Ghibli
Duración: 103 minutos
Reseña: Ñoño Cool

Esta podría ser la reseña más triste que haya escrito, porque está dedicada a la última película de uno de los estudios de animación que ha sido parte de mi vida por más de 20 años antes de su cierre temporal que luce casi permanente a este paso. Pero no quiero que sea de este modo, sino que se vea como un homenaje a la casa de Miyazaki y Takahata que tanta alegría nos han dado.

Hayao Miyazaki es y será uno de los dioses de la animación, un pozo inagotable de imaginación que fluye a borbotones como si de una cascada se tratase, un hombre que puede darte bosques mágicos con chicas criadas por lobos, castillos que caminan comandados por magos, salones de aguas termales llenos de espíritus donde vive un dragón, una brujita alegre que quiere hacer su vida en la ciudad, o un gigantesco avatar del bosque que se hace amigo de dos niñitas. Siempre tendremos magia, corazón, animación de primera categoría, historias memorables, personajes inolvidables y un sentido de asombro gigantesco en cada una de sus obras.

El hombre es tan dedicado que todos los films dirigidos por él antes del 2006 eran dibujados a mano cuadro por cuadro por un gran número de empleados pero él en persona se dedicaba a hacer cientos de ellos por sí mismo como un maestro artesano apasionado por su arte; y solo en los años posteriores comenzaron a usar un poco de animación computacional sin abandonar la intervención a mano. Hayao-san es simplemente una leyenda en vida.

Fundó el estudio Ghibli con su amigo y colega Isao Takahata, otro maestro cuya especialidad son las cosas más crudas, reales, y que pueden llegar a destrozarte el alma de dolor como Tumba de las Luciernagas; y han producido películas consideradas obras maestras no solo de la animación sino que del cine en general. Ghibli dejó su marca en el mundo del film y en el de la gente que los visionó y creció con ellos.

Crecí con Miyazaki, mi hermano de pequeño tiene un peluche de Totoro, lo que no significa que lo ensalzaré esta nueva película porque tiene sus errores en varias partes a pesar de ser de alta calidad generalmente hablando, pero por esto el siguiente film guardará un lugar MUY especial en mi corazón, no solo por el contenido sino que por el peso emocional que conlleva en mi vida, aunque no sea perfecto. Porque… el film es sólido, pero no se si quedará en el top 5 o 10 de las mejores obras del estudio.

Hace unos años ya, Hayao Miyazaki, director y hechicero en jefe de la casa de animación japonesa, anunció su retiro después del estreno de “El Viento se Levanta”, y seis meses más tarde, su co-fundador Isao Takahata hizo lo mismo, tras la finalización del “Cuento de la princesa Kaguya”. Esas dos obras maestras son una nota altísima en la cual finalizar una carrera de tantas décadas, así que sería un peso bastante importante para el tercer film cerrar con broche de oro la generación Ghibli sin ninguno de los dos grandes a cargo.

La cabeza pensante a cargo sería Hiromasa Yonebayashi, el relativamente joven discípulo de 42 años de Miyazaki, que en un punto donde las cosas se movían sin problemas fue considerado en el estudio como el sucesor natural del gran hombre. “Cuando Marnie estuvo allí” es sólo su segunda película como director, siendo la primera una adaptación del libro de María Norton “The Borrowers” llamada Arrietty que salió en 2010.

El film está basado en una novela del mismo nombre por la autora Inglesa Joan G. Robinson, que fue nombrada recientemente por Miyazaki, junto con otros, incluyendo Winnie-the-Pooh, Heidi y El Jardín Secreto, como uno de sus libros infantiles favoritos, y su trama, que se mueve entre fantasmas, el arte y la memoria, y el papel que los tres juegan en nuestro crecimiento llevándonos por un viaje emocional que termina no en un adiós sino que en un “hasta siempre”, es sin lugar a dudas algo que navega en el reino de lo que esperaríamos un gran final para estos mundos.

A diferencia de Kaguya y Viento, aquí no tenemos historias casi estrictamente adultas, sino que con un mensaje más familiar o que apunta a los jovenes. En esta tierna historia de fantasmas con todo el sabor británico y rebosante de un estilo y sentido único de misterio y melodrama, tenemos de protagonista a una chica de 12 años llamada Anna quien nunca ha podido hacer amigos pues siempre se burlan de ella, lo que la ha vuelto muy retraída, vive triste dado la muerte de sus padres y a pesar de que su madrastra la ama con todas sus fuerzas, ella piensa que solo lo hace por deber y no por cariño.

Tímida pero claramente no sin talento, Anna pasa su tiempo libre dibujando, y a pesar de ser en extremo talentosa en ello, verdaderamente se odia profundamente a sí misma, se encuentra fea, estúpida, con mal humor, y cree ser desagradable hacia todos, la pobre chica ha caído en una enorme depresión que llega casi a los límites de la conducta suicida -cosa que no verás en películas de animación norteamericanas ni de broma – y la intensidad de su pena, retraimiento y dolor es lo que hace que todo esta historia golpee más profundo cuando la vemos luchar por sí misma y valorarse a si misma por primera vez.

Ella se siente desconectada de sus compañeros y su madre adoptiva, quien por sus ataques de asma la envía en última instancia a pasar algún tiempo con sus abuelos adoptivos en Hokkaido, la gran isla en el extremo norte del país en forma de media luna, un sustituto no sin sus elementos intrigantes que la diferencia del rústico Norfolk de la novela.

Allí, en Hokkaido, Anna descubre la libertad de explorar la zona por sí misma, que por supuesto es uno de los grandes placeres de una historia como esta para el público lo suficientemente paciente para apreciar el cambio de ritmo, que nos permite deleitarse con los fondos pintados a mano y la flora y fauna cuidadosamente detallados, que nos da un respiro de toda la animación 3D actual. Los deambulares solitarios de Anna la llevan a un lugar con vistas al pantano. Hay algo en la forma en que el sol golpea la casona al final de este que parece una verdadera invitación. Cuando la marea está baja, Anna puede cruzar fácilmente al edificio extraño con un extraño estilo europeo en Japón, y siendo una niña curiosa por naturaleza, hace exactamente eso, descubriendo para su sorpresa una chica rubia muy triste como de su misma edad mirando en la ventana de arriba.

Anna pronto se hará amiga de ella, llamada Marnie, quien es su exacta opuesta, cálida, llena de confianza, expresiva, y siempre alegre. Aunque las dos poseen los mismos ojos azules (extraños en Anna pues es japonesa) y tienen sentimientos encontrados sobre sus padres. Para nuestra protagonista, es porque murieron cuando era una niña y siempre sintió como que la abandonaron por eso, mientras que los Marnie están vivos, pero se preocupan mucho más en celebrar fiestas y dejar a su hija de 12 años a cargo de los crueles sirvientes de la casa.

El problema es que nadie más puede verla y todos le dicen que esa casa está abandonada hace años, pero cuando Anna entra el lugar se ve lleno de vida y con fiestas y gente por doquier, lo que la deja con la duda de que su nueva y única amiga puede ser real, un fantasma que vive en una casa encantada o solo un producto de su imaginación para combatir su soledad y depresión agobiante.

¿Y si es Anna el fantasma? ¿Quién es la que desaparece realmente? Pareciese como si ambas estuviesen imaginando a la otra, ¿ninguna es real? ¿Las dos son fantasmas? Lo único que saben es que cada una es lo que la otra necesita, Marnie le da a Anna la alegría que le falta, Anna a Marnie le entrega seguridad en su vida de maltrato, ambas se apoyan para superar los pesares en un mundo melancólico. Las líneas entre lo real y la fantasía realmente se comienzan a medida que avanza el film.

Es una tierna historia sobre amistad, fantasía, la búsqueda de la fuerza interna para abrazar los pasados trágicos y las diferencias no para encajar en el mundo, sino que para sentirnos cómodos en nuestra propia piel, y así lograr la tan necesaria sanación emocional. Todo hubiese sido perfectamente fácil de traducir en live action, pero se agradece el uso de la hermosa animación 2D, esos colores y detalles, que junto con la música de piano de Takatsugu Muramatsu acompañando todo, hace que todo esto se sienta como un cuento antiguo perdido en el tiempo. No se siente como el final de Ghibli, sino que como un capítulo perdido en sus días más tempranos que fue restaurado por las manos de la contemporaneidad.

Ok, entonces ¿cuáles son los problemas con este film? Primero, la narrativa de tanto en tanto cae en lo letárgico más que lento y se alarga mucho más de lo necesario, quitándole el sentido de urgencia que una historia como esta debería tener. Sé que es amistad y autodescubrimiento primero, y misterio segundo, pero no me agrada que uno de los elementos que la hace más interesante sea en más de una ocasión dejado de lado, por mi parte hubiese cortado 15 minutos de metraje, o al menos hubiese editado la primera mitad con algo más de velocidad en ciertas escenas.

 Y lo segundo no tiene tanto que ver con el film en sí, sino en lo que representa: su rol como el Ghibli final. OBJETIVAMENTE hablando es otra más del montón en la larga lista de films y no cierra de manera tan memorable como lo hiciese “El Viento se Levanta”, que hubiese dejado como el producto para el cierre. Es una linda historia muy sólida, emocionalmente poderosa y con personajes atrapantes, pero nada que se quede pegado en la memoria del espectador como “Mi Vecino Totoro”, “La Princesa Mononoke” u “El Viaje de Chihiro”, pues es bastante más simple y no está llena de esa imaginación desbordante que caracteriza al estudio. No es una cosa de parámetros épicos que finalice un gran viaje, sino que como una película menor que encaja en las arcas del estudio. Ahora PERSONALMENTE es mi tercera película favorita en todo Ghibli dado que yo pasé una etapa de mi vida como Anna y me identifico fuertemente con ella, y por ese final que te hace estremecerte completo de la cabeza a los pies. No será una obra maestra como sus predecesoras, pero sigue siendo MUY sólida. Lo que tal vez para muchos no sea suficiente.

Lo que se refleja en la recaudación en taquilla de USA, pues normalmente sus películas alcanzan 120 a más de 200 millones de dólares, pero Marnie apenas y consiguió 31. Lo que es especialmente triste si pensamos que con una taquilla tan sólida como las anteriores se lo pensarían dos veces antes de cerrar de manera definitiva, pero con todo el extremo trabajo que toma hacer un film 2D pintado a mano, es difícil ver un futuro donde Ghibli vuelva, a menos que cambien su estilo de animación completamente. Lo que es aún más triste si consideramos que «Viento», «Kaguya» y «Marnie» son entregas sólidas y prometedoras de un largo camino que se ve truncado por esto.

El acto final es tan emocionalmente poderoso, que es como si tomara tu corazón con sus manos y apretase y apretase. No pienso decir cuál era la verdadera conexión que tenían las niñas y la naturaleza real de su relación, pero solo diré que si tienes sentimientos el epílogo debería dejarte llorando en el suelo como un bebe, o al menos hacer que te corra una lágrima.

Marnie es un hermoso último regalo, no será un film tan famoso o recordado por la gran mayoría como el grueso de sus otras películas hermanas, pero al menos es un cierre más que correcto, y emocionalmente poderoso que merece al menos ser visionado una vez siquiera. Y sirve además como un “adiós y hasta siempre” para 3 décadas de obras maestras entregándonos un mundo más alegre, luminoso y refrescante.

8/10


Descarga: Cuando Marnie estuvo ahí   (pass: monox1987)

Domo Arigato Gozaimasu, Studio Ghibli.
1985 – 2014
Oyasumi nasai.


Reseña Libro: Darth Vader e Hijo



DARTH VADER E HIJO

Editorial: Chronicle Books
Fecha de Publicación: 18 de Abril, 2012
Autor: Jeffrey Brown
Status actual: NO CANON
Reseña: Ñoño Cool

EPISODIO III Y MEDIO
DARTH VADER E HIJO

Darth Vader, Señor Oscuro
De los Sith, lidera el Imperio
Galáctico contra la heroica Alianza
Rebelde. Antes de que pueda
Hacerse cargo de ellos
Lord Vader primero debe
cuidar de Luke Skywalker
Su hijo de 4 años…

Una reseña corta para un libro pequeño, pero que tiene un corazón tan grande como la Luna de Endor. Es una bomba de ternura que solo había visto en forma ilustrada desde Calvin & Hobbes, y que actualmente en el panorama actual virtualmente ya no existe. Darth Vader e Hijo es una verdadera maravilla, una pequeña joya con la que todo padre que tenga un niño de corta edad o haya criado uno puede relacionarse.

Este libro que también puede pasar como tebeo, es sin duda una dulzura con la que tristemente me tope solo recientemente, y digo tristemente porque me habría gustado estar familiarizado hace mucho tiempo con él, y sin duda está en mi lista de “comprar si o si” para este año. Viene de la mano de Jeffrey Brown, un autor tan versátil como lleno de habilidad; que puede sacar de la manga un producto crudo, feo y sucio; así como un comic infantil de alta calidad.

Todo el formato de dibujo así como de composición de viñetas y páginas luce totalmente como un cuento ilustrado de los que le lees a tus hijos antes de dormir, pero el contenido si bien es para toda la familia, sin lugar a duda será disfrutado mucho más por los adultos ¿y cómo no hacerlo? Si la relación entre Vader y Luke tan cruda, compleja emocional y moralmente de amor/odio al punto de ser imposible estar juntos como padre e hijo que vimos en las películas, aquí se baña en inocencia y Darth se transforma en un muy comprometido y dedicado padre soltero con un trabajo importante que debe criar a su pequeño infante de la mejor manera posible.

Esto porque el pequeño que tome este libro podrá reírse con las situaciones, pero el fan ya crecido que haya visto la Trilogía Original notará todos los guiños, y el giro tierno que se le da a la fatídica relación entre ambos, por lo que creo pasará un tiempo de diversión enorme. Es un juego sentimental y calmado el que Brown juega y nos pide ser participantes, imaginar al Señor Oscuro de los Sith y al Jedi Rebelde como cualquiera de nosotros, pasando unas horas nostálgicas con tu hijo, hermano pequeño o sobrinito, esas que por largas que fuesen se sentían cortísimas por el gran tiempo que pasaban juntos.

Todas las situaciones que un padre primerizo y su hijito, o un adulto con un pequeño a su cargo ha pasado, son transformadas para calzar cálidamente con todas las situaciones, frases, y momentos icónicos de la saga espacial. Es un libro que muestra lo normal y cotidiano, esos pequeños momentos del día a día que te sacan una sonrisa, como cuando no quieren bañarse, o te hacen un dibujo pintado por ellos, se ensucian jugando, zapatean en la lluvia, hacen incesantes preguntas, le lees un cuento, juegan a las escondidas y mucho más; todo desde la perspectiva de Vader y Luke.

Luke Skywalker de 4 años es un niño muy normal y natural, lleno de curiosidad, ocurrente, imaginativo, molesto, insistente, cansador, dulce y simpático por partes iguales; es demasiado fácil compararle con cualquier otro niño con el que al menos yo haya tenido contacto y se parece mucho a varias de las experiencias que he tenido en la vida.

Es una caricatura dulce del universo de Star Wars donde muchos de sus personajes se pasean uno tras otro, y trasladamos las enseñanzas de Obi Wan “Ben” Kenobi con el sable laser a Anakin enseñándole como batear en un juego de baseball, aprender a usar la Fuerza para alcanzar unas galletas que se encuentran demasiado alto, el vestirse de Stormtrooper para rescatar a Leia en un disfraz de Halloween para pedir dulces acompañado de su padre, y más cosas de ese estilo, o utilizar lineas clásicas en contextos sorprendentemente geniales. Y lo mejor de todo es que es una adaptación fantástica que no cae en la parodia simplona, sino que todo se encuentra lleno de una comedia mucho más sutil y un humor muy blanco.

El dibujo por su parte es FANTÁSTICO, no lo digo porque sea muy detallado o una obra maestra compleja visualmente, sino que por el contrario, es tan simple e ingenuo en el trazo que transmite una sensación poderosa de nostalgia y niñez; el color por su parte si bien nos transporta a cada elemento y ambiente clásico de Star Wars, al mismo tiempo lo convierte en algo especial, ya que los tonos pastel hacen que todo parezca visto bajo los ojos de un niño al parecer como si hubiese sido todo dibujado con crayones de cera por un chico de 4 años, todo es familiar pero al mismo tiempo diferente.

Podríamos decir que este libro es la infancia soñada por Luke Skywalker quien anhelaba ese afecto perdido por la ausencia de su progenitor. Me gusta ver que incluso la persona más malvada puede tener un lado suave, demostrando lo difícil que es ser padre, no importa si eres el líder de un Imperio Galáctico.

Puede haber uno que otro chiste que no funcione como los otros, pero eso no importa dado el producto final; todo este libro infantil con un tono más adulto me recuerda a Snoopy y Charlie Brown de Schulz, y creo que ese es el mayor elogio que puedo hacer de esta carta de amor hacia el ser padre así como a Star Wars misma.  Junto con el “Buenas Noches Darth Vader” y “La pequeña Princesita de Vader” que pone a Leia en el lugar de Luke para mostrarnos la relación de un padre primerizo con una hija, este libro es algo que nadie debería dejar pasar si es que tiene un corazón latiendo en su pecho.

10/10




Reseña Comic: Irreedeemable



IREEDEEMABLE

Editorial: Boom! Studios
Fecha de Publicación: Abril, 2009 – Mayo, 2012
Guionista: Mark Waid
Dibujantes: Peter Krause, Diego Barreto, Eduardo Barreto
Reseña: Ñoño Cool

Hace tiempo un fan del blog me pidió que hiciera una reseña de este comic, y por fin tuve tiempo de releerlo. Lo había tocado en el año 2013 y en ese entonces lo encontré genial, con sus altos y bajos en cuanto a calidad a veces molestamente notorios pero generalmente de buen nivel, con un concepto mil veces explorado pero aún así con una ejecución bastante diferente, y por eso se había ganado un buen lugar en mi memoria como una lectura recomendable, ahora que lo releo creo que mi opinión sinceramente no ha cambiado. No es perfecto pero si muy digno de leerse.

¿De qué va el comic? Nos presenta una simple interrogante ¿Qué pasaría si el héroe más grande, amado y poderoso del mundo se volviese el villano más sanguinario y cruel de todos? Ese extraterrestre que viene de otro planeta al nuestro para ser nuestro eterno protector de capa y traje colorido que nos cuida usando su aliento congelante y rayos lasers oculares de los desastres naturales, científicos locos, monstruos y demás de manera incansable; un día se da cuenta de lo malagradecidos, miserables y egoístas que son los seres humanos gastando dinero en armas y desarrollando formas de matarse en vez de combatir el hambre; y por esto deja de tener fe en la humanidad y su buena voluntad, y por eso se cansa y dice basta y se vuelve un verdugo asesino de los que alguna vez protegió. ¿Y si no hubiese forma de pararlo? ¿O donde esconderse de él?

Esta sería una tercera entrega en una trilogía espiritual de Mark Waid donde analiza el concepto de superhéroe. En Kingdom Come las viejas generaciones luchan contra las nuevas, vemos el control vs la confianza, la libertad vs el abuso de poder y el núcleo de todo es el precio ético de ser un héroe; Luego vino Empire donde el mundo está dominado por un supervillano quien derrotó a los protectores de la Tierra y el heroísmo ya no existe; en Irredeemable vemos el costo del superheroísmo, donde un protector de capa y mallas con poderes de semidios demuestra que nunca estuvo emocionalmente equipado para ser un héroe y desata sus frustraciones contra el mundo.

Como dije antes, es un concepto mil y una veces usado y reusado, desde finales de los años 70 como mínimo, y usando a un Superman malvado incluso, cosa que DC ha hecho con el Sindicato del Crimen, Supes Prime y más, Marvel ha hecho con el Conde Nefaria y los numerosos Hyperiones que tiene y como 30 otros ejemplos de otras editoriales. Sin embargo aquí no es un protector que se vuelve un villano porque si nada más, sino que el Plutoniano (nuestro protagonista) es un hombre demasiado común, lleno de problemas y traumas que lo asechan desde la niñez dado sus habilidades, es alguien que jamás pudo sentirse parte de los que protege sino que rechazado por ellos, y nunca ha sido capaz de soportar la presión de tener que salva el mundo todos los días, de siempre estar alerta y disponible 24/7.

Plutonian es alguien que nunca estuvo hecho para ser superhéroe pero por sus poderes y buena voluntad se obligó a si mismo ha hacerlo para ver si podía ser aceptado de esa manera. Es alguien que presenta perfectamente el que no todos pueden soportar el tener que ser un ejemplo a seguir mientras tiene que lidiar con su vida normal y problemas personales, además de no ser capaz de superar los criticismos que vienen de la mano con ser popular incluso si lo logras ayudando al mundo sin descanso. Todos sus poderes nada más le traen frustración, rabia, resentimiento y mucha paranoia, de hecho es sorprendente que haya durado siendo héroe tanto tiempo y no haya explotado mucho antes.

Y cuando encuentra su límite y es sobrepasado por sus dramas se rebela y proyecta toda su rabia contra de Sky City desahogando todo lo que llevaba reprimido masacrando a miles de millones en el camino cruzando la línea y volviéndose alguien como dice el título del tebeo: sin posibilidad de redención. ¿Quién podrá detenerle ahora cuando nadie siquiera sabe su nombre real o cuál son sus debilidades?

El Plutoniano es el reflejo en un espejo quebrado de Superman. Mientras Clark tuvo una vida llena de amor, amistad, respeto y situaciones que lo llevaron a ser noble, con valores inamovibles y le ayudan a salir siempre con una sonrisa siempre buscando lo mejor de las personas; Plutoniano tiene una vida horrenda y traumática desde la niñez, desgracia tras desgracia le acompaña y a pesar de ser invulnerable y poder mover planetas, es una víctima de los que protege con tantas ganas para buscar aceptación, por esto cuando se cansa transforma a quienes abusaron de él en sus víctimas.

Aunque Waid no solo a Superman ocupa para construir su trama, sino que se vale de todos los clásicos de DC Comics teniendo su propia Liga de la Justicia llamada el Paradigma para poder hacerle frente a nuestro villano quienes les da caza para evitar que nadie le haga frente. El primero de ellos en caer por ser considerado el más peligroso es su versión de Batman, mientras el resto son liderados por Qubit (un super-genio que luce como Harold Ramis de los Cazafantasmas) para buscar cualquier información posible y puntos débiles sobre su camarada vuelto villano.

El que el grupo se enfrente a un ex compañero de equipo, además de ser para muchos la persona que les inspiró a volverse héroes hace que todo esto se sienta con un aire de tragedia en cada nuevo giro; y el subtexto homoerótico entre Plutonian y su archienemigo tipo Lex Luthor es divertido y te hace pensar que aplica en el caso de muchas dinámicas entre héroe-villano, en especial el Joker y Batman.

La historia se desarrolla bien. El pasado de nuestro protagonista está muy bien construido y comprendimos por qué el Plutoniano hizo lo que hizo, al menos en parte. La enorme presión de vivir con nosotros, cuidando de nosotros… era demasiado para él. Sumado a la tragedia y el rechazo… la mecha de la dinamita explotó y se llevó la mitad de nosotros con él.

Mientras más entendíamos a Toni, cada vez era más difícil poder ponerse de su parte, ya que sus acciones se hicieron más desagradables y sádicas. Terminas apoyando a los personajes que le rodean y estaban tratando de salvarnos, hasta cierto punto también, dado que hay giros argumentales tras giros argumentales que se tejen alrededor con la imaginación de Waid que logran crear un sentido de imprevisibilidad interesante.

Entre los defectos de la colección es que muchas subtramas se abren y cierran igual de abruptas y sin explicación, y que se hace muy laaaaaaaargo, creo que reduciendo sus números en dos tercios de los que tiene hubieran resultado en una lectura de lujo en vez de algo solamente muy bueno. El final también puede molestar a muchos por lo anticlimático que se siente dado que termina como de golpe, pero por las dos viñetas finales le perdono ese tema.

Y el dibujo… digamos que es mediocre, para ponerlo de manera suave. Todo es muy simple, no hay viñetas que sean demasiado rescatables ni nada de eso, el ritmo en las luchas, diseños de los personajes, etc se siente demasiado como algo del montón, cuando esta colección rogaba por un estilo visual único para poder diferenciarse y cimentar su identidad propia.

En todo caso, Irredeemable crea un mundo tan interesante que se sacó un spin-off llamado “Incorruptible” para explorar más de este, donde un villano trata de volverse “bueno” para proteger su ciudad; y la caída de un héroe emocionalmente inestable es una lectura que disfruté enormemente, tiene sus altibajos pero me gustaron mucho sus personajes sobretodo e hizo un muy buen trabajo con su premisa. Una lectura que para los amantes de los buenos transformados en malos así como los que gustan de los protagonistas poco clásicos y torturados disfrutarán sin lugar a duda.

7.8/10

Post:   Irreedeemable

Esther

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Esther y su mundo (en el original, Patty’s World) es una serie de historietas creada en 1971 por el guionista británico Philip Douglas y la dibujante española Purita Campos.
 
Esther es la protagonista indiscutible de estas historias junto con su mejor amiga Rita, su amor platónico Juanito, su hermana mayor Carol y su rival Doreen; además de otros personajes secundarios.
 
Idioma: Español.
Editorial:  Glenat
Año: 1971…
Guion: Philip Douglas
Dibujo: Purita Campos
Tradumaquetadores: Spiderman2099 & Gata Negra (CRG)
Archivos:
27
Formato:
CBR
Tamaño: 1.32 Gb 
 
ESTHER Y SU MUNDO VOL1
Libros que recogen las aventuras originales de Esther publicadas en Inglaterra, incluido el material que Bruguera no llegó a publicar o descartó porque no se adaptaba a sus formatos. Los títulos tampoco coinciden necesariamente con los que dió en su día la editorial Bruguera.
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ESTHER Y SU MUNDO VOL2
Esther comienza de nuevo… ¡pero en los años 80!
Al final de la década de 1970, la editorial británica que publicaba Las aventuras de Esther –IPC Magazines Ltd– decidió renovar a su estrella pecosa para acercarla a una nueva generación de lectoras. Así nació la “Esther ochentera” que, en un principio, revivió algunas de sus viejas historias para luego lanzarse hacia aventuras completamente inéditas.
Este volumen marca el debut de Esther en su nueva etapa: más profunda, más moderna y… ¡con una sola coleta!
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LAS NUEVAS AVENTURAS DE ESTHER
Aquí nos encontramos con una Esther divorciada, madre de una hija adolescente, enfrentada al mundo laboral y cómo no, a los escarceos amorosos… y a lo que se imagina como una terrible reunión de antiguos alumnos, en la que surgen todos los fantasmas de un pasado que se creía guardado y olvidado, puesto a buen recaudo bajo siete llaves.
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Balada Asesina

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Meyer intenta recrear las películas de serie negra de Hollywood, dibujando a los personajes en tonos sepia con entornos oscuros para dar mayor contraste y dureza a las viñetas.
 
Balada asesina es la historia de un taxista en Nueva York y de Martha, su mujer enferma, que le hace la vida imposible.
 
Hasta que una noche, él decide matar a Martha…, pero desde su silla de ruedas, ¿será ella capaz de asesinarlo antes?
 
Idioma: Español.
Editorial: Devir
Año: 2000
Guion: Philippe Tome
Dibujo: Ralph Meyer
Tradumaquetadores: Teofobicus [CRG]
Archivos:
3   
Formato: CBR   
Tamaño: 65 Mb
 
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Too Much Coffee Man

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Bueno, resulta que estaba muy aburrido y decidi hacer un post sobre un comic que los dejara muy ¿WTF?. Asi que prendan su cafetera, preparen su taza y disfruten de este genial comic independiente.


Too Much Coffee Man (TMCM) que en español se traduciria como “El Hombre que toma mucho cafe” es un superheroe satirico estadounidense creado por el dibujante Shannon Wheeler. Too Much Coffee Man lleva lo que parece ser un spandex rojo a la antigua o directamente unos «calzoncillos rojos largos» con una gran taza de cafe encima de su cabeza. Él es un ansioso personaje que medita sobre el estado del mundo, desde la política a la gente, intercambiando ideas con amigos y lectores.
La tira es más a menudo presentada con historias de una sola página en los periodicos de prensa alternativa, aunque en ocasiones el arco de la historia se extiende en historias de varias páginas. TMCM ha aparecido en las tiras cómicas, minicomics, webcomics, cómics, revistas, libros y óperas. Too Much Coffee Man ganó el Premio Eisner de 1995 a la Mejor Nueva Serie.

Too Much Coffee Man apareció por primera vez en 1991, en ​​su propio minicomic Too Much Coffee Man, como un metodo de auto-promoción para el libro de Wheeler: Children with Glue (Blackbird Comics, 1991). Los minicomics aparecieron en muchos formatos diferentes, incluso impresos en cuadritos de 2 cm, auto-publicados, fotocopiados, y hechos a mano por el propio Wheeler cuando empezaba con 300 copias en blanco y negro.

Wheeler dijo que creó Too Much Coffee Man para hacer los temas sobre los que escrivia en el periodo de la universidad más accesibles. Él dijo en 2011:
“En 1991, dibujé una historieta autobiográfica para The Daily Texan con temas de la alienación y la soledad. Cuando la describía, los ojos de la gente se ponian vidriosos. Como una broma barata, empecé a escribir Too Much Coffee Man. Todavía escribo sobre los mismos temas, excepto que ahora hay café. Gente como el café.”

Estos tomos recopilatorios fueron publicados por La factoria de Ideas en 1998, los tomos 6 y 7 no existen de manera que salta del 5 al 8 directamente. El numero 10 salio en el 2005 pero al ser un cómic independiente y poco conocido no existen escaneo en ningún idioma.

Idioma: Español.
Editorial: Adhesive Comics/La Factoria de Ideas
Año: 1998
Guion: Shannon Wheeler
Dibujo: Shannon Wheeler
Escaneador: jiman (CRG)
Archivos: 7 de 7
Formato: CBR   
Tamaño: 115,06 MB

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Reseña Comic: Nuevos Vengadores – El Vigía



NUEVOS VENGADORES: EL VIGIA

Editorial: Marvel Comics
Fecha de publicación:
Autor: Brian Michael Bendis
Arte: Steve McNiven – Mark Morales –
Reseña: El Buen Ñoño Wise

Me costó decidirme acerca de qué reseñar ahora. No puedo ponerme a hacer reviews de todos los cómics del orden del Nuevo Marvel. O sea, podría, pero algo de vida tengo y quiero vivirla como cualquier mortal. Así ya puestos, me decidí por seguir con los Nuevos Vengadores, y sugerir lecturas complementarias que no tienen pérdida.

En esta ocasión, partiré con las sugerencias. En la reseña anterior de los Nuevos Vengadores y su arco llamado “Fuga”, mencioné que no sería mala idea leer “Secret War” para enterarnos de las razones de la ausencia de Nick Fury y la llegada de María Hill a la dirección de S.H.I.E.L.D. Igualmente, antes de esta guerra secreta del espía entre los espías, vinieron excelentes números de Capitán América a cargo del excelso guionista Ed Brubaker, en particular los números #1 al #14 de su volumen 5 (vol. 6 de Panini), que nos cuentan una historia a estas alturas familiar debido al cine: “El Soldado de Invierno”. Ahí Nick Fury todavía está presente y los Nuevos Vengadores todavía no se han reunido.

Lo mismo pasa con El Asombroso Spiderman, a cargo de Jean Michael Straczynski, quien venía ejecutando su run desde hace rato con el cabeza de red, pero que se empieza a ajustar a esta nueva continuidad imbricada de Marvel. Así, si hemos venido leyéndolo podemos seguir, pero si no lo conocemos sería buena idea tomarlo al menos en el número #515 hasta el #518, en un arco llamado “A flor de piel (Skin deep)”, luego de haber leído “Nuevos vengadores: Fuga”. Esto dará pie al futuro arco “Spiderman: Nuevos Vengadores”, en el que JMS se lucirá y tendremos –entre otras locas mezclas- hasta a Logan echándole un ojo a Mary Jane. Vamos, que es pelirroja. Y con eso ya me decidí a reseñar ese arco más adelante.

Pero a lo que nos convoca: Nuevos Vengadores del #7 al #10, con un arco argumental llamado “¿Quién es El Vigía?” (“The Sentry”, en el original).

¿Quién es Vigía? Si leímos los primeros 6 números de la presente colección ya nos dimos cuenta de un par de cosas: nunca escuchamos hablar del Vigía, el Dr. Reed Richards dice que es posiblemente la entidad más poderosa del planeta, y además que estaba en la cárcel a petición propia por haber asesinado a su esposa. Pero, ¿de dónde salió? Si es tan poderoso, ¿dónde ha estado todo este tiempo? Después de salvar a Foggy Nelson y despedazar a Carnage en la estratosfera, todo mundo le ha perdido la pista.

En este primer número del arco, el #7 de la colección, además tenemos el placer de ver la primera aparición de un grupo que traerá repercusiones tan potentes que en “Secret Wars”, el más reciente evento marvelita, todavía se dejan sentir: los Iluminatti. Y si bien es la primera aparición desde el punto de vista de las publicaciones, es claro que no es primera vez que se reúnen, y que han discutido otros asuntos de vital importancia con anterioridad. Tendremos que esperar un poco para ver. Y en esta ocasión, a pedido de Tony Stark se reúnen Reed Richards, Charles Xavier, Namor, Black Bolt y Dr. Strange, para una sencilla pregunta: ¿alguien sabe quién es El Vigía?

Aquí es cuando se vuelve bizarro. No, el Vigía no tiene un doble bizarro, que ahí la coincidencia sería mucha. La situación es la extraña. Iron Man y el Capi logran localizar al Vigía, escondido en una caverna en medio del desierto de Nevada, y llevan una peculiar compañía: a la esposa de Robert Reynolds (el alter ego de Vigía) supuestamente asesinada, y al guionista de comics Paul Jenkins, creador del súper héroe “El Vigía”.

¿Come again?
Tal cual. Así se rompe una cuarta pared, con el poder de mil soles explotando. El Vigía es un héroe de historieta en la realidad 616, no un héroe real. Por eso nadie lo reconoce ni recuerda. Y peor aún: entre los Iluminatti tampoco nadie lo conoce. Ni siquiera Reed Richards, quien supuestamente le pidió a Matt Murdock que lo visitase. Sin embargo, Reed inicia una búsqueda en sus archivos y encuentra más de mil documentos relacionados a Vigía. Emma Frost será la encargada de ayudar a Reed y luego al mismísimo Robert Reynolds a desentrañar las verdades ocultas en su cabeza, pero para tan siquiera lograrlo habrá que pasar por sobre «El Vacío“: una especie de contraparte, de hombre del saco que deshace todo el bien que El Vigía pueda lograr. Con el recuerdo de la pérdida de control de Wanda aún fresco en sus memorias, los Nuevos Vengadores solicitan la ayuda de los X-Men, de Namor, de los Inhumanos, de Los Cuatro Fantásticos y hasta del Dr. Strange para contener la situación y evitar un nuevo desastre… y vaya que son necesarios.

                            “Tremenda pantalla gigante que tienes en la cabeza, querido”

Si me lo permiten, Bendis se luce como pocas veces en este arco. Logra escribir bien a varios personajes a la vez, lo que no es su fuerte, e incluso captura la esencia de muchos de ellos con sorprendente certeza. Incluso más: logra utilizar de manera adecuada a un interesantísimo personaje que, de otra forma y muy probablemente, habría permanecido en el tintero y perdiendo toda su potencialidad en el olvido. Gracias a la recuperación que hace BMB es que su creador y personaje de estos comics, Paul Jenkins, pudo continuar con un segundo volumen que explora la psique de este nuevo Superman de la casa de las ideas.

Así, las recomendaciones de lectura complementaria son dos: Por una parte el volumen 1 del Vigía, a cargo de Jenkins y Jae Lee, que comprende 5 números con una historia autoconclusiva aunque de final abierto. En ella podrán leer este experimento agradablemente narrado de Jenkins, aunque no es estrictamente necesario para seguirle la pista, ya que su origen y las verdaderas razones de por qué nadie lo recuerda están explicadas en las páginas de los Nuevos Vengadores.

Sin embargo, por otra parte está el Volumen 2 de El Vigía, esta vez con John Romita Jr. acompañando a Jenkins en las ilustraciones, y aquí sí sugiero encarecidamente su lectura. Tal como ya mencioné, el autor y creador escudriña a fondo lo que significa ser un ente tan poderoso en un mundo más realista –o mejor dicho más verosímil- que el de la casa editorial de enfrente. Hay quien ha dicho por ahí que DC es la creadora de personajes con menos límites que otras editoriales. Tenemos al arma más poderosa del Universo, al mejor detective del mundo, al hombre vivo más rápido, y por supuesto al inmigrante más noble, poderoso, protector de sus adoptantes y bueno que la imaginación pudiera crear. Por el contrario, en Marvel tenemos una dosis mayor de defectos como el alcoholismo, la violencia doméstica y otros factores que definen de manera distinta a los personajes. Dicho sea de paso, esta generalización está totalmente matizada por los autores que se hayan puesto al frente de las casas, y el paso del tiempo lo ha comprobado, pero… en Marvel, Superman no puede ser de otra manera: alguien con el peso del mundo sobre sus hombros no puede sino resentirse y fracturarse en el sitio más vulnerable de todos: la mente.

Nunca ha faltado quien se hiciera la pregunta obligatoria: ¿por qué, si puede hacer tantas cosas, recorrer el Universo o de frentón gobernarnos, el mejor héroe de todos los tiempos decide hacer el bien sin mirar en su mundo a quien de una manera distante y tremendamente respetuosa? Por cierto que algunos destacados autores han sonsacado lo que hace que Superman sea en efecto superior en muchísimos aspectos, especialmente en su vena moral. Algunos han profundizado en su crianza sencilla y campesina, otros sí que le han dado dilemas éticos potentes como John Byrne y la excelente saga de aquel mundo de bolsillo, otros han buscado escrutar mejor su psique y sus orígenes como Mark Waid en “Birthright”. Otros lo han despojado de sus poderes para darle mayor vulnerabilidad y hacer sus aventuras más interesantes, y en alguna nefasta época si usaba sus habilidades era Superman pero cuando dejaba de ocuparlas se volvía un humano normal, entre muchas otras técnicas diseñadas para solucionar el dilema de Diomedes que aqueja al menos parcialmente a Superman. No obstante, a pesar de dichas explicaciones (algunas más notables que otras) y sus muchas fortalezas, una suerte de debilidad se mantiene en Kal-El: la poca verosimilitud de tamaña fibra moral. Marvel, en sus pocos momentos de gloria –y me atrevo a decir que la creación y primer uso de este héroe es uno de ellos- decide mostrarnos algo mucho más cercano a “¿qué pasaría si alguien tan increíblemente poderoso existiera realmente?”. Escenarios más probables son los pictografiados por Jenkins y ahora por BMB que los propuestos durante décadas de historias del Supes. Otro ejemplo notable es el de Supreme Power, de J.M.Straczynski, o el del “Irredeemable” de Waid. Quizá el primer año de “Injustice” busca darle una vuelta de tuerca a este problema. Y todo esto me pone a pensar: ¿de verdad Superman tiene el tiempo para salvar al suicida, como Morrison nos contó? Quisiera creer que sí, pero soy más bien escéptico.

Y aquí está Marvel hace una década poniendo a un semi-dios dorado con el poder de mil soles en explosión como un Vengador, con un dispositivo tecnológico que corre constantemente un algoritmo para priorizar emergencias alrededor del globo, y que al mismo tiempo intenta mantener un matrimonio funcional mientras aparenta no culparse por las muertes de las tragedias a las cuales no pudo llegar mientras solucionaba la mayor. Si en un servicio de urgencias la gente a cargo despersonaliza las emergencias mientras usa el método Triage, y muchas veces sufre desórdenes psicológicos por las muertes inevitables con las que deben lidiar, ¿por qué no le pasaría lo mismo a alguien como El Vigía? Vamos, que si un gran poder conlleva una gran responsabilidad, este tipo tiene pero muchísimo de las dos, y por eso me parece que es un gran personaje. Al menos de momento. Ya veremos lo que el futuro le depara.

Para cerrar, un pequeño monólogo del segundo volumen de la colección de Jenkins, en que se describe el peso de esta tríada de personalidades: Vigía como el bien último, el Vacío como el mal último, y atrapado en el medio Bob Reynolds, el hombre común y corriente.

“Eres el Vigía, el dorado guardián del bien. Siempre alerta, eres la única esperanza de la humanidad. Lo eres todo… citando al césar de Shakespeare, te paseas por el estrecho mundo como un coloso. Velas por el mundo entero… vives cada minuto bajo la mirada atenta del reloj. Cuando todo lo demás falla… cuando toda esperanza parece perdida… apareces tú».

Si tan sólo supieran.
Si supieran que la mitad de tu mente siempre está en otra parte. Y que oyes voces dentro de tu cabeza. Más concretamente la de tu ciberlocalizador orgánico  computarizado (CLOC, para abreviar), una máquina programada para calcular probabilidades, para discernir la importancia de una emergencia frente a otra. Tú y CLOC  están en contacto permanente; él decide quién vive y muere, así la decisión no recae sobre ti. Mientras tú ibas en el caza, cuatro personas murieron en un incendio en Boston…”

Esto es el noveno arte. Que una imagen valga más que mil palabras.

Mi nota: 7,8/10




Reseña Comic: Astonishing X Men – Peligroso



ASTONISHING X MEN: PELIGROSO

Editorial: Marvel Comics
Fecha de publicación: Enero de 2005 a Agosto de 2005.
Guión: Joss Whedon.
Arte: John Cassaday
Reseña: El Buen Ñoño Wise

Espero que ya hayan leído el arco anterior, porque aquí lo comentaremos con total libertad, especialmente el suceso más importante: el regreso de Piotr Nikolaievitch Rasputin, a.k.a. Coloso. Con él, nuestros Astonishing X-Men son ahora seis, y la misión se mantiene: hacer de los X-Men un equipo superheróico que inspire esperanza, y proteger a las nuevas generaciones en la reabierta Escuela Xavier. No obstante, vemos a seis individuos muy diferentes, con motivaciones y preocupaciones particulares, y los obstáculos no tardan en llegar aunque hasta Los Cuatro Fantásticos echen una mano en las relaciones públicas.

                         Hasta dan ganas de estar ahí, con ellos. Así de bien los llegaremos a conocer.

Del arco argumental anterior traemos un agradable sabor de boca. Tuvimos un splash page impresionante de una bola rápida especial que ni siquiera fue dicha por personaje alguno, en un homenaje al lector antiguo de la franquicia que simplemente no necesitaba ver escritas las palabras. Tuvimos una satisfactoria resolución del tema de la cura mutante, con Hank guardando sin secretos la única muestra, y quedando con Scott en que si llega a decidir usarla, le avisará primero. Tuvimos el ya señalado regreso de Coloso, idea que quizá aparentaba ridícula en el papel, pero que con un guion adecuado y redondo no sólo fue llevada a cabo, sino que además le hizo justicia a una partida poco digna y aparatosa. Por si fuera poco, el anzuelo para las futuras entregas fue arrojado: sabemos que un mutante, probablemente un X-Men, destruirá un mundo entero de aquí a 3 años. Encima de esto, algo trama Emma Frost en conjunto a una misteriosa figura anónima, y todo parece indicar que Whedon la convertirá en la nueva infiltrada que traicionará a los hombres X en el último minuto, cual Xorn. De sus planes sólo sabemos que la primera en caer debe ser Kitty Pryde, quien esconde mucho más de lo que aparenta.

En cuanto a la acción, por primera vez vimos a cabalidad el potencial de contar con un telépata en el grupo. La coreografía coordinada de combate se vuelve una danza, como en realidad debiese ser si nuestro líder comanda lo que hemos de hacer directamente en nuestros cerebros, sin que el enemigo tenga oportunidad o tiempo de leer la estrategia. En resumidas cuentas, una vara alta para este nuevo arco, así que vamos a su argumento de una buena vez.

Con el regreso de Coloso y su vuelta a la primera línea, Kitty y Scott se preocupan por su condición de salud mental. No es para menos, ya que el ruso fue objeto de estudios y torturas durante años a manos de Ord. Otros, como Logan, piensan que dadas las circunstancias Rasputin se lo está tomando bien. Un personaje nuevo y presentado en los números anteriores, Abigail Brand, comienza a tomar peso como una atractiva versión femenina de Nick Fury que hasta el día de hoy se mantiene vigente en diseño y esencia. Además, “Alas”, el chico que escapó de la muerte a manos de Ord pero que perdió su capacidad mutante de volar, es ahora un humano de nuevo, en una escuela para mutantes. ¿Sus ocupados profesores se darán cuenta de que algo malo puede estar ocurriendo en el campus? Al final del primer número ya tenemos claro quién será el antagonista, en una idea magistral y totalmente plausible, que aunque no es original como concepto sí que lo es en el trato que el escritor le da.

Si una palabra define al presente arco argumental, esa es “vertiginoso”. Todo ocurre en muy poco tiempo, sin piedad, sin parar, en un juego de ataque, defensa y resolución que mezcla el terror, la acción y los diálogos increíbles con un ritmo tan propio del mundo cinematográfico que uno se pregunta cómo es que Whedon no pudo escribir y dirigir alguna película de la franquicia. Y, si cabe la posibilidad, esta sub-etapa es incluso mejor que la anterior, y quiero detenerme a explicar en forma clara el porqué. Cuando hablamos de una buena historia podemos estar diciendo muchas cosas. A veces de un argumento nunca antes visto, a veces de una historia no original pero sí desenrollada de manera inteligente, a veces de interacciones bien planteadas, etc. pero rara vez todas esas cosas ocurren al unísono. Este arco es un ejemplo de cómo a veces, con la batuta de una mano adecuada, todos los factores se conjugan formando un coro armónico y delicioso, sin duda centrado en los muchos personajes que el autor pareciera conocer mejor que a ellos mismos, pero con situaciones tan bien tramadas que logran extraer dicha información al sol, y que brille como un diamante. Si a eso le agregamos respeto y conocimiento por la historia previa de los protagonistas, subtramas interesantes que prometen y un dibujante de increíble calidad en solidez de trazo, composición y expresión facial, tenemos algo pocas veces visto.

No quiero lanzar spoilers del conflicto central, así que sólo repetiré lo ya dicho: basta acabar el primer número para saber la identidad del antagonista, y aún más que en el primer arco estos 6 números se dejan leer uno tras otro y sin pausa. En la humilde opinión de quien les escribe, estamos ante las historias definitivas de los hombres X. Sencillamente rozan la perfección, y pasarán a la historia.

Mi nota: 9,4/10